Crítica Millenium 2

Millenium pasa de ser una película para todos los amantes del buen thriller a un filme única y exclusivamente dirigido a fans e incondicionales. En esta ocasión, no basta con haber visto la primera parte para disfrutar de una segunda que esperábamos aún mejor, sino que además tienes que ser un acérrimo seguidor de la saga para que llegue a convencerte un ápice. Igual que os dije la primera vez que hablé sobre Millenium en este blog, yo no soy seguidora de la saga literaria, no he leído ninguno de los libros, pero la primera parte cinematográfica me fascinó. La presentación de un universo frío y tenebroso, el origen de unos complejos, maravillosos e inusuales personajes y el relato de un magnífico thriller compusieron un película -al menos para los que no habíamos leído el libro- digna de alabanza.

En esta ocasión todo es diferente. La emoción –por lo menos cinematográfica- se pierde, los personajes –aunque los llegamos a conocer un poco mejor- no evolucionan significativamente y la trama –no sé si alguno está de acuerdo conmigo- no es en absoluto emocionante: Sí, hay asesinatos. Sí, Salander vuelve a estar implicada en ellos (en esta ocasión comparte el papel de investigadora e investigada). Y sí, Blomkvistm también estará, aunque no sabría muy bien definir su papel, bueno sí: vuelve a ser un segundón.

A grandes rasgos os diré que en esta segunda parte se indaga en el pasado de Lisbeth Salander, encontrando el origen de muchos de sus problemas y adentrándonos en su naturaleza. Tras los hechos de la primera parte, Lisbeth decide volver de su autoimpuesto exilio para resolver temas del pasado y debido a algunas complicaciones, se ve envuelta en una trama de asesinatos de los que se la considera culpable. Comenzará por su lado una nueva investigación para esclarecer su inocencia mientras que por su lado, el periodista Mikael Blomkvistm intentará ayudarla en paralelo partiendo de que las primeras victimas estaban trabajando para la revista Millennium.

Ni emoción, ni intrigas, ni escenario detectivesco. No sé si ocurrirá también en el libro, pero si esta película fuera una fiel adaptación (que no lo creo), no entendería su desmesurado éxito mundial. Por suerte, la realización es tan mala que deja entrever a todas luces que el problema no está tanto en el legado literario de Stig Larsson sino en la manera que ha tenido de contarla Daniel Alfredson: un telefilme barato, narrado de forma robótica y con una fotografía y un montaje que solo podría ser obra de un aficionado.

Únicamente la acertada banda sonora compuesta por Rasmus Hansenhan y una (de nuevo) brillante Noomi Rapace que lleva todo el peso de la trama, están a la altura de un título, que ni de lejos se hubiese merecido su exhibición en una sala cinematográfica.

Crítica Garbo. El espía

Ameno documental sobre Juan Pujol, un catalán que acabó trabajando como doble agente durante la II Guerra Mundial. Embaucador y farsante que recuerda al protagonista de Nuestro hombre en La Habana, Pujol engañaba a los alemanes desde Lisboa, fingiendo que tenía a sus órdenes a un grupo de agentes, totalmente imaginarios, que le enviaban informes de unos supuestos planes bélicos de los aliados. Posteriormente, Pujol se ofreció a los servicios secretos británicos, que le reclutaron tras someterle a varios exámenes. Ahora, esta emocionante historia llega a las pantallas de cine:  Garbo. El espía, una fantástica aventura dirigida por Edmon Roch (productor de El Perfume), que seguro no dejará indeferente a nadie.

Las últimas noticias que hemos conocido en relación a este filme, es que ha obtenido el Giraldillo de Oro a la mejor película documental en el Festival de cine de Sevilla. La película que dirije Edmon Roch, es un thriller documental sobre espías y agentes dobles, secretos y mentiras, memoria y olvido, hecho con fragmentos de películas de Hollywood, material de archivo, entrevistas y efectos digitales, cuya estructura nos fuerza a elegir nuestra particular interpretación sobre la verdad de Juan Pujol.  Garbo. El espía es la delirante historia del español que embaucó a los nazis.

Para narrar la historia de Garbo. El espía, la película cuenta con todos los actores principales de esta historia extraordinaria: el experto en Inteligencia y novelista Nigel West, quien rastreó la pista de Pujol y le sacó de su anonimato en Venezuela. El Oficial de Inteligencia del MI5 Mark Seaman, que investigó todos los pasos de Pujol y cómo consiguió hacer creer lo increíble. El periodista Xavier Vinader, que deconstruyó con él sus memorias y le ayudó durante meses a recordar todos los detalles. Aline Griffith, condesa de Romanones, espía durante la Segunda Guerra Mundial, que trabajó para la Inteligencia Americana en España. Las dos familias de Pujol, la que tenía en España y la de Venezuela. Y el mismo Juan Pujol, con su personalísimo enfoque de la realidad.

Tras su paso por numerosos festivales de cine internacionales entre los que destacan Roma, Amsterdam y Sevilla, el filme podrá podrá verse en las salas comerciales de nuestro país el próximo 4 de diciembre.

La historia transcurre en Madrid, 1940. Juan Pujol, autodidacta, gerente de una granja de pollos y conserje de hotel empieza a planear su contribución al “bienestar de la humanidad”. Decide ofrecerse a los británicos para “echarles una mano”, pero su ingenuo plan fracasa. Lejos de desanimarse y abandonar, consigue convencer a los nazis de que puede espiar para ellos. Sorprendentemente, el Abwehr confía en él y lo contrata. Nombre clave: Arabal.

Después de una serie de aventuras, Pujol es localizado por la Inteligencia Británica, que le convierte en agente doble. Nombre en clave: Garbo. Desde Londres, hace creer al Tercer Reich que Normandía no es más que una estrategia de engaño, ya que el verdadero desembarco tendrá lugar en el Paso de Calais.

Treinta años más tarde, un escritor inglés de novelas de espías, Nigel West, empieza a dudar de su muerte, se pone a buscarle, y le localiza en Venezuela, donde ha iniciado una nueva vida, se ha vuelto a casar y trabaja como profesor de inglés para la Shell. Nadie en su entorno sabía de su participación en la guerra.

Si aún hay alguién que no conozca la magnífica historia de este superviviente, le recomiendo encarecidamente que vea esta película: una digna recreación del considerado “el mejor actor del mundo”. Os logrará dejar boquiabiertos, os lo aseguro.

  Juan Pujol, el Garbo

Crítica Celda 211

En QueAlucine hemos seguido desde el principio el nuevo proyecto de un Daniel Monzón, renovado y más maduro, que ha conseguido desde el primer día en cartelera eclipsar al público español. Aún me acuerdo hace un año, cuando hablamos en el blog sobre la llegada de Monzón a Zamora para rodar –por aquel entonces ya se rumoreaba- una de las películas más ambiciosas de la cinematografía española presentadas este año.

En aquel primer artículo que le dedicamos, ya destacamos los atributos de un director y guionista -que antes de nada fue crítico de cine- como uno de los directores noveles más prometedores de esta última remesa. Ahora, gracias a Celda 211, lo hemos podido corroborar.

El argumento es el siguiente: Juan (Alberto Ammann, en su debut en la gran pantalla) es un joven funcionario de prisiones que, el día anterior a su primera jornada de trabajo,  hace una visita a la cárcel de Zamora donde ha sido destinado. Allí, sus futuros compañeros le van enseñando los distintos módulos que componen la prisión, y le van poniendo un poco en situación sobre las rutinas de trabajo. Sin embargo, lo que iba a ser una sencilla toma de contacto con el lugar, se convertirá en una angustiosa experiencia para Juan, ya que repentinamente estalla un motín dentro de la cárcel, liderado por el carismático delincuente Mala Madre (Luis Tosar), haciendo que Juan quede accidentalmente atrapado junto a los presos amotinados. Rodeado de toda una jauría de criminales que podrían lincharle en caso de saber su identidad y oficio, Juan tendrá que ingeniárselas para sobrevivir al motín.

Perfectamente enmarcada dentro del subgénero carcelario, a Celda 211 tampoco le faltan mensajes críticos camuflados en la trama para sacar los colores al sistema. Desde la crítica a la hipocresía de los políticos (en donde sabiamente no se nombra quién está en el gobierno, evitando partidismos) hasta el poder de los medios de comunicación para mover a la población (para bien y para mal), pasando por un rabioso ataque hacia el sistema penitenciario, que favorece el castigo y la exclusión frente a la reinserción y la rehabilitación.

En cuanto a los actores, los únicos que salen verdaderamente airosos de este Titanic carcelario son: Carlos Bardem, y muy especialmente Luis Tosar. Este último logra componer un personaje por el que el espectador llega a sentir respeto y simpatía, a pesar de que su interpretación está continuamente al borde de lo excesivamente forzado, o directamente sobreactuado. Aún así debo puntualizar que si los premios fueran justos, en la próxima edición de los Goya, él debería ser el gran triunfador.

En resumen, creo que es un filme aceptable. Me atrevería incluso a decir, que da las mejores propuestas españolas de este último año. Sé que no es habitual en mí, pero en esta ocasión os recomiendo la visita al cine. Creo que no os decepcionará…

Crítica Home ¿Dulce hogar?

El hombre es un animal de costumbres…y si no, que se lo digan a la familia formada por  Marthe y Michel y sus tres hijos, ajenos al mundo real e inmersos en un particular universo al que los humanos asiduamente osamos llamar HOGAR. La imperante globalización nos ha hecho idénticos en cuanto a muchos aspectos de nuestra vida. Y el hogar es uno de ellos. De unas décadas a acá, nos hemos convencido de que nuestro hogar no puede ser otro que una bonita casa, ubicada en un bonito barrio residencial de una bonita ciudad. Pues bien, la familia protagonista de la película que hoy os recomiendo nos demuestra una realidad que a veces olvidamos: el bienestar de cada uno no depende tanto del contexto como sí de la compañía.

Marthe y Michael quizás no vivan en la casa más maravillosa del mundo, pero sus vidas funcionan a la perfección. Su pequeño hogar, ubicado al lado de una utopista abandonada, les hace privilegiados de un entorno del que llevan años aprovechándose: juegan al hockey en mitad de la carretera y ver la tele en la calle. Sus vidas son plenas y la relación entre todos ellos inmejorable. Aunque esto no dura para siempre. La paz es un día resquebrajada con la llegada de unas monstruosas escavadoras que son capaces de todo con tal de cumplir sus objetivos, en este caso, terminar la habilitación de una carretera que en su día se bloqueó. La ruptura de la armonía desempolvará la crudeza de una realidad a la que no se había prestado atención. Cada miembro de la familia aportará su particular punto de vista y su consiguiente vía de escape a la nueva e inesperada situación.

 

 

 

 

 

 

 

 

La película consta de tres momentos aparentemente claros: el primero, relativo al periodo de paz y reservada alegría. En él, Olivier Gurmet, con una interpretación adecuada, logrará ser el padre-eje que conecta la realidad con lo efímero. El segundo, que podríamos decir que corresponde con la habilitación de la carretera cuyo sentimiento de alegría generalizada pasará a convertirse en algo más cercano a la decepción y desesperación por retroceder al pasado. En esta segunda etapa de la película se irá fraguando el drama y desenmascarando ficciones utópicas. Y el tercer, que será el que como consecuencia de todo lo anterior, desemboque en un estallido de sentimientos encontrados. Una extraña mezcla de soledad que va dando paso a la desesperación y que se transforma por momentos en una inesperada impotencia.

En cuanto a la historia habría muchas más cosas que decir, pero os invito a que la veáis, reflexionéis y extraigáis vuestras propias conclusiones. Es probable que cada uno la interprete de una manera y logre darle el sentido que más se acerque a la visón que cada cual tenga de la realidad. Incita al debate, así que no os preocupéis si salís del cine y nadie quiere escucharos, nuestro blog siempre estará al servicio de todos aquellos que quieran expresar su opinión o exponer su argumento.

En lo que a aspectos más técnicos respecta, deciros que todos se encuentran dentro de lo aceptable. La realización a muchos os resultará interesante. Los encuadres y la banda sonora no sólo muestran, sino comentan, subrayan, critican y le imprimen un sesgo dramático a la narración: la música de jazz junto a la panorámica del hogar aislado de la civilización; la música metalera que escucha la mayor de las hijas, y que rasga el silencio de la casa vacía; el mutismo total cuando la familia ha tomado una decisión extrema…Todos ellos son elementos que complementan a la historia y le suministran al espectador pistas sobre las que construir su propia opinión.

Totalmente recomendable…

Más información: ficha técnica y trailer

Crítica 500 días juntos

Si alguien está deprimido y está pensando ir al cine a ver una película con una historia previsiblemente de antemano feliz, que se abstenga de ver el filme que hoy recomiendo. Aunque etiquetada como “película romántica”, 500 días juntos constituye la antítesis de lo que hasta el momento se ocultaba bajo la empalagosa acepción de cine romántico hollywoodiense. Ahora, que cada uno valore si es lo que quiere ver o no.

Alabada por su forma, aunque criticada por su contenido, 500 días juntos es para muchos una de las mejores comedias románticas que ha dado el cine norteamericano. Claro que en este caso no se trata de un producto hollywoodiense, sino de una producción independiente condecorada con la bienvista acepción juvenil de “indi”. Supuestamente un cine más realista, que no pretende disfrazar la realidad sino contar las cosas tal y como son.

En esta ocasión, ya al principio, una voz en off resume a la perfección su planteamiento: “una historia de un chico que conoce a una chica, pero no una historia de amor”. ¡Pues vaya comedia romántica! pensaréis. Qué no cunda el pánico, porque la historia tiene más tintes románticos de los que seguro esperaban retratar sus guionistas (Scott Neustadter y Michael H. Weber).

Aunque 500 Días juntos escenifique el desamor, las connotaciones románticas que en ella encontramos son más que visibles. Que él se enamore de lo que ella representa es lo más romántico que existe. El amor no es racional. Si el raciocinio entrara en juego, más de la mitad de las parejas que existen no tendría sentido. Y esto es lo que se refleja en el filme. Tom (Joseph Gordon-Levit) y Summer (Zooey Deschanel) son una pareja joven de lo más normal. Se conocen en el trabajo y a partir de ahí surge su peculiar historia de “desamor”. Tom, empleado en una compañía que crea tarjetas de felicitaciones y condolencias, conoce a Summer el día que ella es contratada como la secretaria de dirección. Como ya nos ha demostrado la realidad en más de una ocasión, el amor es asimétrico: él se enamora, pero ella no. Buscan cosas diferentes y, lo más importante de todo, creen en cosas opuestas. La realidad es así de dura, pero como diría un buen amigo mío: “es lo que hay”. Aún así, él no abdica en su empeño de buscar su felicidad, que es pasar el resto de sus días con ella. ¿Existe algo más romántico que eso?.

Mientras el ingrediente romántico queda claro, ahora nos queda escudriñar el componente cómico. No creo que sea sencillo reírse de una situación a primera vista totalmente dramática. ¿Quién no ha llorado tras sufrir un desamor?. Pues bien, en esta ocasión, Marc Webb se las apaña para conjugar ironía con candidez y romance con desengaño. Sin duda alguna, director y guionistas consiguen pulir el componente mágico de la comedia y hacerlo relucir en este proyecto. Para ello, se mofan de una forma muy elegante del género del que intentan desmarcarse. Una muestra de ello es su peculiar utilización, entre el respeto y la mofa, de algunos tópicos del género. No hay película romántica en la que no exista una buena consejera, y en este caso no podía ser menos. La hermana del protagonista, de diez años, será la encargada de desempeñar este importante papel.

Que nadie vaya al cine pensando encontrarse con una obra maestra. Pero quizás sí con una historia que logra agrietar (que no romper) el molde con el que hasta el momento se fabricaban las comedias románticas. Es una película simple, con unos personajes simples. Sus vidas no difieren en absoluto de las de personas como cualquiera de nosotros y creo que eso es lo que al final ha triunfado entre el pueblo. Ya estamos cansados de ver historias irreales que lo único que hacen es dañar a los infelices que se las creen y a los ingenuos que piensan que algún día vivirán lo que aquellos personajes.

La realidad es más cercana a lo que en esta película se cuenta. Nadie, salvo Hollywood, ha dicho nunca que el amor fuera fácil. El desamor está al orden del día y en este filme se retrata a la perfección: “Una relación aparentemente feliz que un día se acaba de golpe y porrazo sin que el que es abandonado acierte a saber porqué”. Seguro que todos os sentiréis identificados. 

Marc Webb, director del filme, no puede ocultar en esta realización su experiencia en la creación de videoclips. La búsqueda de atmósferas, tonos y conexiones con el público plagan esta cinta de referencias musicales, cinematográficas, literarias y artísticas. Los amantes del “indi” disfrutaréis de una banda sonora repleta de éxitos como Los Smiths, Belle and Sebastian o los Pixies. Por otra parte, el montaje no lineal de la cinta juega con el tiempo de manera magistral. El director retrata a la perfección los momentos claves de la relación entre Tom y Sumer, en la que amargura y el júbilo se mezclan con muchos sentimientos contradictorios. Una imagen cuidada, una correcta dirección de actores y un perfecto manejo de la cámara constituyen otros de los puntos fuertes de lo que es sin duda una realización bastante sobresaliente.

Por lo demás, solo deciros, que es una historia fresca, ligera y entretenida y apta para aquellos públicos que estén dispuestos a ver una verdadera historia de amor-desamor.

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Crítica Ágora

Por fin pude acudir al cine a ver la película española más esperada del año: Ágora. El último trabajo del sobresaliente Amenábar, que irrumpió en la cartelera con la fuerza propia de un tifón: 13, 5 millones de euros de recaudación en su primer fin de semana de exhibición, la mayor recaudación en taquilla de estos últimos tres años. Un importante dato, que cuanto menos, denota la trascendencia de un director que lleva durante años convenciendo al público con su perfeccionista forma de hacer cine.

Las críticas que sus anteriores películas provocaron, mantuvieron un denominador común: la ovación de un público que veía en este madrileño el nuevo mesías del cine español. Nadie se atrevía a decir nada negativo de un joven cineasta con unas claras inquietudes por demostrar al mundo entero que el cine patrio era algo más que el landismo.  No obstante, en esta última ocasión, sus más acérrimos defensores se han convertido, de forma inesperada, en sus mayores detractores. Las críticas por parte de la prensa especializada y el público en general no se han hecho esperar. Palabras como decepción e indiferencia se dejan ver en los textos referentes a tal obra artística.

Yo no quiero ser excesivamente dura, puesto que ante todo, respeto el duro trabajo de un equipo que llevaba durante más de cuatro años enfrascado en una arriesgada aventura. Aunque lo que está claro es que no siempre se acierta, y en esta ocasión, debo admitir mi gran sorpresa al comprobar que Amenábar no ha acertado. La amarga sensación de indiferencia que logra dejar el filme en el espectador me hace llegar a una obvia conclusión: esta vez, el cineasta (mitad chileno, mitad español) no logra el objetivo que hasta el momento siempre ha presumido alcanzar: emocionar a su público.

Si bien Tesis, Abre los ojos y Los Otros consiguieron intrigar al público como otros cualesquiera thrillers americanos, y Mar Adentro emocionarlo como nunca antes lo había hecho ningún otro filme patrio; Ágora llega al público como un jarro de agua fría. Con esta película, por fin, descubrimos algunas de las carencias de este joven director. Ni la historia, ni la realización, ni la dirección de actores son puntos destacables en Ágora. Esto nos vuelve a demostrar, una vez más, que el dinero no lo es todo.

Ágora contaba con todos los ingredientes necesarios para convertirse en la mejor película del año: Está dirigida por un director que había demostrado su valía en sus cuatro anteriores trabajos. Es, según rumores, la producción con el mayor presupuesto de la historia del cine español. Y el reparto principal lo lideran pesos pesados de la interpretación internacional: Rachel Weizs (ganadora de un Oscar),  Max Minghella, Oscar Isaac y Ashraf Barhom. Sin embargo, los resultados no han logrado ser los esperados. Todos los aspectos por los que hasta el momento había destacado Amenábar quedan deslucidos en su última producción: un guión insensible, una realización floja y unas pésimas interpretaciones.

Cuando lo que esperaba encontrar era una verdadera obra épica, liderada por una mujer increíble e inmersa en una época convulsa, clave en el desarrollo de la sociedad actual; voy y me encuentro con una liviana lección de Historia y Filosofía liderada por unos personajes apáticos e insulsos perdidos en medio de unas enormes maquetas que pretenden mostrarnos la grandiosidad del planeta Tierra. Con un principio similar al de Star Wars, Amenábar nos introduce en una historia que mucho nos promete aunque nada cumple. Con la Tierra como fondo, unas letras de dudosa legibilidad nos relatan los antecedentes de la caída del Imperio Romano y nos presentan a la protagonista de la historia: Hypatia, una de las filósofas más destacadas de la época clásica. Sus avanzados conocimientos sobre la forma de la órbita en la que gravita la Tierra alrededor del Sol harán de ella una de científicas más adelantadas de su tiempo. Tras éste prólogo en las estrellas, la cámara (gracias a la acción de los ordenadores) realizará un potente zoom in hasta llegar al espacio y tiempo en el que se desarrolla la historia: la Alejandría clásica, poco tiempo antes de la caída definitiva del Imperio Romano.

En aquel sitio y en aquella época, la Historia dice que existió una mujer distinta a las demás. Una filósofa capaz de cambiar el orden mundial con sus conocimientos sobre filosofía y astronomía. Las crónicas de la época dicen que murió lapidada, aunque los motivos no están muy claros. En Ágora están claras la intenciones de Amenábar: retratar a una mujer interesante en una época concreta, caracterizada por una pronunciada convulsión social. Podía haber elegido un escenario más actual, pero decide irse hasta el siglo IV y entablar paralelismos con los tiempos que corren. El extremismo religioso y el claro homenaje de Amenábar a la astronomía y a la ciencia son los temas claves de la cinta. Aunque consciente del poco tirón de los mismo, los guionistas deciden introducir un descarriado trío amoroso que más que introducir emoción en la historia, muestra las debilidades más pronunciadas del guión: Cero emoción y cero pasión en una narración que mejor podía pasar por una clase intensiva de Historia.

La realización tampoco ha sido el fuerte de Amenábar en este filme. Planos poco sugerentes, cámara poco dinámica, liviana intensidad en las escenas de acción y acusada utilización de maquetas son algunos de los aspectos negativos que mejor se aprecian a lo largo de sus dos horas de duración. Y aunque la ambientación y el vestuario destacan, las interpretaciones en muchos pasajes no hacen justicia a la ambiciosa producción que pretendía ser.

Reitero: no siempre se puede acertar.

Más información: ficha técnica y trailer

Crítica Si la cosa funciona

¿Os acordáis?…Hace unas semanas, en este mismo blog, os advertía de que el cine volvería pisando fuerte a partir de septiembre. Creo que no me he equivocado. La semana pasada os hablé maravillas sobre Malditos Bastardos, el último trabajo de Quentin Tarantino, y esta semana le toca el turno a otro de los grandes, Woody Allen y a su nuevo proyecto, Si la cosa funciona, una producción con la que el neoyorquino se propone volver a sus orígenes.

Después de su periplo europeo, primero Reino Unido, escenario de su exitosa Match Point; y luego España, escenario de su descarriada Vicky Cristina Barcelona, Allen retorna a su hogar: Nueva York, el lugar que lo vio crecer personal y profesionalmente, además de servir de atrezzo a algunas de sus obras  más emblemáticas, como por ejemplo: Manhattan o Hannah y sus hermanas. Una magnífica noticia para los amantes del Woody Allen original, aquel que se caracterizaba por producir cine de humor inteligente y sacar lo mejor de una ciudad de ensueño como Nueva York.

En esta nueva aventura cinematográfica, el realizador vuelve a apostar por personajes complejos, originales y perfectamente definidos con los que pretende hacer reír y reflexionar a un público que siempre se ha sentido atraído por su particular universo y su peculiar forma de ver la vida. El protagonista de esta nueva historia es Boris Yellnikoff (Larry David), un profesor universitario de mecánica cuántica, egocéntrico, misántropo y maniático que se intenta suicidar. La vida no tiene sentido para él y su mayor pasatiempo es gritar a los pobres niños inocentes a los que enseña a jugar al ajedrez. Aunque su vida cambia cuando una joven llamada Melodie (Evan Rachel Wood) se cuela en su casa. A partir de entonces, nada de lo que ocurre en la vida de este cuadrado personaje es lo que él esperaba: Melodi, inocente, inculta y en algunos momentos irritantes, acabará conquistando a un hombre completamente contrapuesto a lo que la joven de alguna manera representa.

 

 

 

 

 

 

 

 

Os advierto:  NO TIENE NADA QUE VER CON UNA HISTORIA ROMÁNTICA. El amor es casi anecdótico y no será determinante en sus aspectos fundamentales: conformarse, dejarse llevar y dar importancia al azar más irónico son los tres ejes claves de una historia donde lo que Allen piensa adquiere significativa relevancia.

En realidad, Boris Yellnikoff, álter ego del propio Allen, no será nada más que el aparato transmisor con el que el cineasta se posicionará en algunos aspectos y se divertirá especulando en otros. A través de él, reflexionará, afirmará, discutirá y proporcionará moldes con los que mostrarnos su particular mundo, aquel en que tanto nos gusta colarnos a sus más fervientes fans.

Fiel a su cita anual, me congratula anunciaros que el genial neoyorquino vuelve a recuperar en Si la cosa funciona el encanto que había perdido tras abandonar su tierra natal. Con esta nueva propuesta, Allen pretende dejar atrás al fantasma de los pésimos resultados en taquilla y recuperar la confianza de un público que poco a poco había comenzado a ignorarle. Obras como Vicky Cristina Barcelona o Scoop habían puesto al descubierto ciertas debilidades de Allen que nunca nos hubiéramos imaginado. Deslices que todos entendimos como fruto de una atropellada producción y un fallo de previsión en la elección de los guiones. No obstante, aquellos que le queremos ya le hemos perdonado. No podéis perdérosla…

 

 

 

 

 

 

 

 

Más información: ficha técnica y trailer.

Crítica Malditos Bastardos

Por fin una película sobre la Segunda Guerra Mundial con un final realmente feliz. Una pena que no pueda contaros más. Pero hacedme caso y acudid al cine a disfrutar de una de las mejores películas del año. Una trama frenética, una cuidada ambientación y una dirección de actores impecable son algunos de los aspectos que valen para describir lo que para mí es, hasta el momento, la mejor película de Tarantino.

No podía ser otro el encargado de tal tropelía. Tarantino, un cineasta polifacético donde los haya, se atreve con todo. Desde el filme noir y la novela pulp de Reservoir Dogs, Pulp Fiction y Jackie Brown, hasta las artes marciales y el cine bélico europeo de Kill Bill y su último estreno, Malditos Bastardos. Todo ello realizado desde la perspectiva más original y socarrona posible. Para ello pone en relieve su sello de identidad: EN EL UNIVERSO TARANTINO TODO ES POSIBLE. Nada como esta película para demostrar tal afirmación.

Con la venganza como núcleo argumentativo de sus últimas películas, el director americano llega con Malditos Bastardos al cenit de la perfección de su propio género, puesto que no debemos olvidar, que Tarantino es en sí mismo un género. La venganza fue obvia en Kill Bill, con esa mujer embarazada dispuesta a matar a todos aquellos que convirtieron en una carnicería el día de su boda. Después también lo fue en Death Proof, relatos sobre una venganza obsesiva, violenta y que no conoce piedad. Y ahora, en Malditos Bastardos llega al culmen con la IIGM como telón de fondo y la venganza judía como respuesta al monstruoso sistema nazi creado por Hitler.

Durante el primer año de la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus (Melanie Laurent) presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza a un grupo de soldados judíos para tomar brutales y rápidas represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “Los Bastardos”, los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget von Hammersmark (Diane Kruger), una agente secreta que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine, donde Shosanna espera para vengarse.

Sirviéndose del género de folletín y propagandístico, Malditos bastardos nos propone una nueva visión de la II Guerra Mundial a través de una historia poco gloriosa, opresiva, real y mayor que la vida misma. En esta última película, Tarantino es capaz de construir una ficción perfectamente argumentada, ambientada, dirigida e interpretada.

Considerado el “regenerador del cine actual”, el director de la aclamada Pulp Fiction decide dar una vuelta de tuerca al género bélico. Para ello, recuerda sus gustos como espectador y fabrica una película menos cercana al cine bélico clásico norteamericano de Sam Fuller y Howard Hawks y, sin embargo, más cercana al concepto europeo de los años 60 y 70 en las que los  nazis resultaban terriblemente pérfidos y las músicas ocupaban una parte representativa en cada uno de los planos.

A través de cuatro capítulos, identificados por una cabecera negra con letras blancas, Tarantino va desgranando una historia donde lo realmente importante sucede al principio y al final de la película. El primer y último capítulo coinciden en muchos aspectos que les hacen especialmente sensibles: el problema de la comunicación y la violencia desmedida y orquestada por estruendos de metralletas aliñadas con expresiones de odio y desesperación. La diferencia, sin embargo, es más clara: las víctimas, en cada uno de los capítulos, son antagonistas, un aspecto que introduce dramatismo a la acción general del filme.

A parte de por un curioso guión, Malditos bastardos destaca por una brillante puesta en escena y una interpretación de Oscar. Brad Pitt, una vez más, demuestra  que los papeles cómicos logran sacar lo mejor de sí mismo. Ya lo comprobamos con los hermanos Cohen y su Quemar después de leer, y ahora vuelve hacer gala de su sentido del humor interpretativo con Quentin Tarantino, uno de esos pocos directores que saben hacer de sus actores, grandes profesionales. No podéis perdérosla, de verdad.

Más información: sinopsis y trailer

Crítica Destino: Woodstock

1969. Los hippies consiguen llamar la atención en un mundo corrompido por las desquiciantes ansias de guerra y poder: Vietnam y la llegada del hombre a la Luna, son dos de los acontecimientos más importantes acaecidos en EEUU no sólo del año, sino también de la década. Nadie imaginaba que un festival de música, inicialmente desconocido, sin presencias destacadas y organizado en un pueblecito de Nueva York entraría a engrosar la exclusiva lista de hitos sociales universales. Todo el mundo ha oído hablar de esta cita musical, de tinte pacifista, que durante tres días consiguió ilusionar a toda una generación, que bajo el lema “Paz y amor”, creyó poder cambiar el mundo.

40 años después, una película dirigida por el polivalente Ang Lee, un verdadero maestro en retratar épocas y lugares distintos, intentará desvelar los entresijos de lo que supuso su organización para algunos de sus principales actores. Basada en las memorias de Elliot Tiber, Destino:Woodstock intentará hacer crónica de aquellos días y captar el ambiente y el espíritu de lo que fue. Aunque ésta no es la primera vez que el cine retrata una de los citas festivaleras más famosas de la historia: en 1970, Woodstock, dirigida por Michael Wadleigh y montada por Marti Scorsese, logra alzarse con el Oscar a mejor película documental.

Michael Wadleigh intentó dibujar en su filme una dimensión épica del musical. Ang Lee, sin embargo, parte de sus orígenes y se centra en lo que supuso para la insignificante población de Bethel albergar uno de los festivales más famosos de la historia de los Estados Unidos . Destino:Woodstock intenta escudriñar, en clave de comedia, algunos de los secretos de su organización. Para ello, recurre a las memorias de Elliot Tiber, quizás no un actor muy importante, pero sí decisivo, en el transcurrir de los acontecimientos que hoy todo el mundo mitifica.

Elliot, protagonista indiscutible de la primera parte de la cinta, forzado por las circunstancias, no le queda más remedio que mudarse a un pueblecito del estado de Nueva York. Su familia le necesita, puesto que está a punto de perder su principal sustento de vida: un pequeño y destartalado hostal. Su objetivo es reflotar el negocio y para ello se embarca en una de las aventuras más importantes de su vida: de la noche a la mañana se convierte en el responsable involuntario de que el famoso festival de Música y Arte de Woodstock de 1969 sea todo un acontecimiento histórico. 

Durante la primera parte de la película, Ang Lee pondrá su cámara a girar en torno a Elliot Tibet. Gracias a él veremos llegar a los organizadores, al público entusiasta, a los detractores y a la policía. Tibet, además, será el que introduzca la nota dramática en el filme. Su vida personal y sus circunstancias particulares servirán de excusa al director para dibujar una época y retratar una sociedad. Él, un joven judío homosexual, tendrá que enfrentarse a cuestiones existenciales como:¿Hasta qué punto los problemas de aquellos a quienes queremos puedan interferir a nuestro desarrollo y felicidad personal? ¿Dónde termina el camino de nuestros padres y empieza el nuestro?.

La segunda parte de la película, sin embargo, es más documental. Lee deja de lado a sus protagonistas iniciales y se centra más en los asistentes al festival. Reproduce las alucinógenas juergas de los allí congregados y retrata a la perfección la horda hippie que llevó al lugar, una vez concluido el festival, a ser declarado zona catastrófica. Para realizar esta parte de la película, el director se valdrá del documental de Michael Wadleigh. Imitará su recurso de la pantalla múltiple y recreará algunas escenas antológicas como la llegada de tres monjas al concierto, el baño de barro y las largas carreteras atascadas. El concierto, sin embargo, pasará a un segundo plano. Por lo tanto, que nadie vaya al cine pensando reencontrarse con las gloriosas actuaciones de Janis Joplin, Jimy Hendrix o Bob Dylan. En esta ocasión, la música solo será la excusa.

Una maravillosa producción y una imponente realización. Nadie como Ang Lee para reconstruir escenarios pasados. Una característica destacada de su cine que en este caso vuelve a poner en práctica como él sólo sabe. En definitiva, una historia inocente, que no estúpida, que acaba conmoviendo al espectador, así como divirtiéndolo y trasportándolo a un momento clave en la historia socio-cultural norteamericana. Totalmente recomendable.

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Crítica ¡Qué les pasa a los hombres!

Como que ¡Qué les pasa a los hombres!…!Qué nos pasa a las mujeres! Que siempre somos las protagonistas tontas de todo este tipo de comedias…No sé cómo no nos cansamos de ser objeto de estudio de memeces como las que en este filme se tratan. Claro que hay mujeres demasiado soñadoras, amantes del matrimonio y adictas a las nuevas tecnologías, pero en la misma proporción que los hombres. ¿A quién pretenden engañar?. Menos mal que se acuerdan de retratar al típico “eterno enamorado amigo de la chica quapa que no le quiere de la misma manera”, que sino pensaría que somos las mujeres las únicas que confundimos las señales. Tonterías…Me parece muy bien que Hollywood siga ganándose la vida con comedias de medio pelo, pero que se atenga a las consecuencias, como por ejemplo el agote de la paciencia del público que va al cine esperando ver una cosa y al final se encuentra con otra: una comedia de segunda con una realización y un guión propios de una mente no muy brillante.

La historia, como últimamente les suele ocurrir a todas las comedias románticas que se estrenan, tiene mucho de romántica y poco de comedia. Parece que la risa ha desaparecido por completo de este género, dando paso al nuevo dramón hollywoodiense del siglo XXI. ¡Qué les pasa a los hombres! es un buen ejemplo de este género floreciente. Una historia coral protagonizada por cinco mujeres incapaces de comprender las señales amorosas masculinas. Todo un reto para nosotras, parece ser. Menos mal que el cartel incluye rostros guapos y guapas, sin duda, el anzuelo que la productora Flowers Filme, propiedad de Drew Barrimore, ha utilizado para engañar al público y hacerle que acuda al cine a verla.

Como he dicho anteriormente, nos encontramos ante una historia coral, por lo tanto, carente o llena de protagonistas, según como lo veamos. Por un lado tenemos a Gigi (Ginnifer Goodwin), una chica atractiva e inteligente pero con una grave defecto: no sabe interpretar las señales masculinas, una falta de virtuosismo que le ha hecho hacer el ridículo muchas veces en su vida con los hombres. Gracias a Dios conoce a Álex (Justin Long), amigo del último chico con el que sale y su salvador. Él se convertirá en su maestro…adivinad cómo termina la historia. Por otro lado tenemos a Beth (Jennifer Aniston) y Janine (Jennifer Connelly), ambas compañeras de trabajo de Gigi. La primera lleva siente años viviendo con Neil (Ben Affleck) hasta que decide amenazarle con separarse si no se casa con ella. La segunda está casada con Ben (Bradley Cooper) y parece ser que por amenazarle de la misma forma que la anterior. Ben a su vez conoce a Anna (Scarlette Johanson) una atractiva profesora de Yoga con la que mantendrá un acalorado idilio que durará más bien poco debido a la indecisión y mal que hacer del chico. A parte, tenemos a otros dos personajes más: por un lado Conor (Kevin Connolly), un agente inmobiliario profundamente enamorado de Anna, que a su vez es amigo de Álex y Mary (Drew Barrymore), una adicta y víctima sentimental de las nuevas tecnologías. No sé si os habrá quedado claro…explicado en papel parece más complicado de lo que realmente es.

Las actuaciones no son excepcionales, pero sí lo único salvable de la cinta. La aparición en escena de la mayoría de los actores que intervienen en la película sube el listón de una historia mal contada, con un guión pobre, una realización “ni fu ni fa” y un montaje que muchas veces dan ganas de coger al técnico y estrangularlo. Aunque debo advertir que hay unos papeles mejor que otros. Dos de ellos sobran, no aportan nada. En primer lugar el de Drew Barrymore, su personaje es nulo dentro de la historia, no tiene ninguna trascendencia. Y el otro es el de Kevin Connolly, un pobre chico que tarda un largo tiempo en darse cuenta de que la chica de la que está enamorado no le quiere de la misma forma.

A parte, hay otros dos personajes más, que aunque en esta ocasión me gustan y los veo imprescindibles en el desarrollo de la historia, creo que están mal adjudicados. Este es el caso de Álex y Ben, interpretados por Justin Long y Bradley Cooper. Creo que en esta ocasión el papel de guaperas el “terror de las nenas” se lo debían haber adjudicado a Bradley Cooper. Él debía haber sido el soltero de oro que al final acaba enamorándose de Gigi. Por lo menos estéticamente hubiese tenido más sentido. Aunque entiendo el sentido de esta descarriada elección: Justin Long es el novio de Drew Barrymore y seguro que para ella el galán de la película. Ante la opinión de la productora no hay observación que valga…aunque sigo pensando que mi propuesta (y seguro que la de muchas más) hubiese triunfado más.

Después de todo lo que os he dicho tampoco creo que sea necesario añadir una valoración final. Está claro que no es la peor película que he visto en mi vida, pero está muy lejos de ser una de mis favoritas. Os recomiendo que evitéis acudir al cine y esperéis a que salga en DVD y poder alquilarla uno de esos domingos por la tarde que no sabéis que hacer con vuestra vida. No se merece nada más.

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