Cuatro Premios Goya, seis Fotogramas de Plata, dos Premios Félix y una Concha de Plata engrosan la larga lista de galardones que Carmen Maura ha recibido a lo largo de estas tres décadas de fructífera carrera. Desde ayer, ya podemos sumar otro a su cesta de los triunfos, en esta ocasión, uno de los más prestigiosos en nuestro país: la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España “por su contribución a la mejora del cine español”. La actriz, que afirma sentirse “en estado de shock”, no se lo cree; nosotros, sin embargo, sí. Su filmografía lo avala y su historia curricular grita a los cuatro vientos que esta madrileña es una luchadora y una enamorada del séptimo arte, dos reglas básicas para convertirse en lo que actualmente es: UNA DE LAS MEJORES ACTRICES DEL CINE ESPAÑOL.

Nada parecía presagiar que su futuro adquiriera estos derroteros. Bisnieta de los condes de Fuente Nueva de Arenzana, comenzó sus estudios  de Filosofía y Letras y Bellas Artes en París. Comenzó a trabajar en el teatro universitario como aficionada hasta el momento en el que el crítico teatral  Alfredo Marquerie  la vio en una obra y le aconsejó dedicarse por entero a sus dotes como actriz. A partir de este momento, Carmen fue consciente de lo que deseaba que su camino adquiriera tintes artísticos. Tuvo muchísimos problemas personales, pero eso no le impidió alcanzar su sueño. Salió adelante y comenzó a trabajar.

Los comienzos nadie dijo que fueran fáciles. La carrera de Carmen, como la de otros muchos, arrancó actuando en cafés-teatro, pequeños espacios televisivos y en compañías independientes de poca resonancia. Las ofertas que al principio recibía no eran gran cosa y las primeras películas en las que participó en los años setenta no tuvieron excesiva repercusión. Su  suerte cambió cuando logró un puesto en la compañía Los goliardos, ya con cierto prestigio en la capital madrileña. Este ingreso le permitió comenzar a relacionarse con artistas cercanos a la comedia urbana de la época y a la movida madrileña como el cineasta Fernando Colomo, con el que realizaría sus dos primeros papeles protagonistas en cine: Tigres de papel o ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?.

Su incursión en Los goliardos le permitiría conocer un tiempo más tarde, al por entonces aún aficionado, Pedro Almodóvar, un joven metido en la movida madrileña que trabajaba en Telefónica para realizar sus primeros pasos en el mundo del Súper 8. La especial química que surgió entre ambos les llevó a trabajar juntos en infinidad de cortometrajes, mediometrajes y pequeñas colaboraciones de poca índole como Folle, folle, folleme Tim. Hasta que por fin Carmen, con la ayuda de Félix Rotaeta, consigue financiar el primer largometraje del manchego: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del monton. Su rodaje duró más de un año por las dificultades técnicas y económicas, pero finalmente se pudo estrenar en salas comerciales y fue un verdadero éxito.

Su próximo encuentro con Almodóvar no se produciría hasta los años 80. Cuando el manchego volvió a confiar en Carmen para sus películas: Entre tinieblas y ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, obra en la que la actriz pudo realizar una de sus interpretaciones más logradas en el cine y gracias a la cual, Carmen y Pedro se convirtieron por excelencia en la pareja director-actriz más prolifera del cine español. Esta buena sintonía les llevaría a trabajar juntos en tres ocasiones más: Matador, La Ley del deseo y Mujeres al borde de un ataque de nervios, un verdadero éxito de crítica y taquilla, no solo en España sino que también en el extranjero, llegando incluso a ser candidata al Oscar de la academia de Hollywood como mejor película de habla no inglesa. La película dio la vuelta al mundo ganando premios allá por donde iba y las carreras cinematográficas de sus actores se vieron lanzadas al éxito rotundo.

Por razones aún desconocidas, la relación entre el manchego y la madrileña se enfrió hasta límites insospechados. La actriz continuó fraguándose una carrera, aunque esta vez sin su verdadero talismán, Pedro Almodóvar. Las cosas no le fueron del todo mal. Consiguió buenos papeles en película dirigidas por cineastas de éxito como Pilar Miró, Rafael Monleón, José Luis Borau y Carlos Saura, quien le dio la oportunidad de obtener el segundo éxito importante de su carrera: ¡Ay, Carmela!, con la que volvería a lograr el Goya y el Premio de Cine Europeo, y le permitiría hacerse un hueco en el extranjero, sobretodo en Francia, donde empezó a actuar con asiduidad y cosechó sus principales éxitos, hasta el punto de merecer el título de Caballero de Honor de las Artes y las Letras. Durante la década de los noventa, compaginó su trabajo en cine con la vuelta a los escenarios de los teatros más importantes de España, así como su incursión en series de ficción televisadas.

El inicio de siglo no podía haber sido mejor para su carrera cinematográfica. Álex de la Iglesia contó con ella para uno de sus proyectos más ambiciosos: La Comunidad, con la cual obtendría su tercer Goya, además de la Concha de Plata a la mejor actriz en San Sebastián y el Premio de la Unión de actores. Durante estos años no ha parado de triunfar. Y lo cierto es que actualmente vive uno de los momentos más dulces de su carrera. Después de protagonizar en 2006 uno de los encuentros más esperados del cine español (el de Almodóvar y ella en Volver), fue convocada por Coppola para participar en el proyecto que recientemente acaba de estrenar: Tetro. ¡Todo un honor!, ha reiterado ella en sucesivas ocasiones.

A todo este cúmulo de éxitos se une desde ayer uno de los más gratificantes de toda su carrera: obtiene la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, un mérito del que solo los mejores han podido disfrutar: Vicente Casanova, Fernando Rey, Carlos Saura, Francisco Rabal, Alfredo Matas, Ana Belén, Sara Montiel, Elías Querejeta, Gil Parrondo, José Luis Borau, Fernando Fernán Gómez, Carmelo Bernaola, Concha Velasco, Antonio Banderas, Basilio Martín Patino, Geraldine Chaplin, Pablo Núñez y Maribel Verdú.

Su ímpetu por traspasar fronteras, su más que conocida vocación por hacer proyectos arriesgados y diferentes y su espíritu joven y evocador han hecho de este joven cineasta uno de los directores más alabados y mejor criticados del panorama internacional. Éste es ALEJANDRO AMENÁBAR: una de nuestras mentes más maravillosas, uno de nuestros genios más destacados y el primer realizador español que consigue alejarse de los trasnochados cánones establecidos en nuestro país y plantear un cine original, inteligente y de gran aceptación entre el público.

Mitad chileno, mitad español, Alejandro Amenábar es junto a Pedro Almodóvar nuestro director de cine más internacional. Nace en 1972 en Santiago de Chile. Cuando sólo contaba con un año de vida no le queda más remedio que huir junto a su familia de su país natal debido al convulso ambiente político que se vivía por aquel entonces: cae el gobierno de Salvador Allende y en su lugar se instaura una de las dictaduras más sanguinarias de América Latina, la capitaneada por Augusto Pinochet.

Su pasión, además del cine, es la música. Desde niño ha entendido que las imágenes que veía en la pantalla  eran indisolubles de la música de fondo. Fan declarado de películas como E.T el Extraterrestre y 2001: Odisea en el espacio, siempre fue consciente de las inquietudes que asolaban su mente y ocupaban su imaginación: el cine y la música. Su gran afición a las bandas sonoras le orientó más tarde a la composición musical y a la convicción de que, si no fuera director de cine, sería músico. Sus logros como director de cine todos los conocemos, como músico nos cuesta más identificarlos: Amenábar es compositor no sólo de las bandas sonoras de sus películas, sino también de Nadie Conoce a Nadie de Mateo Gil y La Lengua de las mariposas de José Luis Cuerda.

Parece mentira que un chico tan brillante como él no fuera capaz de acabar sus estudios universitarios. Matriculado en la Universidad Complutense en la rama de Imagen abandonó el barco a pocas asignaturas de licenciarse. Un suspenso en realización le hizo replantearse que lo que él realmente quería hacer no podía enseñárselo nadie en la universidad. Su decisión fue tajante: abandonó las clases para dedicarse en cuerpo y alma a la realización de los cortometrajes que por entonces ya tenía en mente. Y por lo que hemos podido comprobar, no le ha ido nada mal…

Comenzó siendo no sólo realizador de sus cortos, sino también guionista, protagonista, compositor y montador. Entres sus primeros trabajos destacamos: La cabeza (1991), primer premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs (AICA) e Himenóptero, cuya proyección en el Festival de Elche despertó los elegios de dos grandes directores de cine, Bigas Lunas y José Luis Cuerda, quien a partir de entonces ejerció de mecenas del joven realizador.

Bajo la supervisión y la financiación del maestro Cuerda, Amenábar rodaría sus siguientes proyectos: en primer lugar Luna (1995), su primer proyecto filmado en 35 milímetros, y en segundo lugar su primer largometraje, Tesis, su gran obra maestra y la primera de una fructífera carrera. Protagonizada por una apenas conocida Ana Torrent y dos completos desconocidos, Eduardo Noriega y Fele Martínez, Tesis se convierte en 1996 en la película más famosa del año, con un público cercano al millón de espectadores. A ello contribuye el apoyo incondicional de la academia de cine española que le concede 7 de los 8 Goyas a los que estaba nominada, entre los que destaca el de mejor película y el de mejor dirección novel.

De ambición a más ambición

Tras este éxito llegarían otros. En 1997, Amenábar y Cuerda se unen en un nuevo proyecto: Abre lo ojos, un filme de presupuesto mucho más holgado y mayor ambición que el anterior, aunque de tratamiento más cercano a la ciencia-ficción que al thriller psicológico. Tal fue el éxito de esta segunda propuesta, que hasta el actor y productor Tom Cruise se quedó fascinado tras su visionado. El actor compró los derechos para producir y protagonizar un remake que encargó al director Cameron Crowe, titulado Vanilla Sky, y compartió protagonista con el original: Penélope Cruz.

En 2001 llega otra nueva propuesta, no menos ambiciosa que la anterior: Los otros. Protagonizada por la australiana Nicole Kidman, formada de un equipo español y rodada en inglés en una mansión cántabra que figura situarse en la isla de Jersey, fue el primer caso en la industria española de una coproducción de estas características. Americana para unos y españolas para otros, Los otros consigue récord de recaudación en taquilla a uno y a otro lado del charco.

Un giro sorprendente

Tras ser definido como un magnífico realizador de thrillers y películas de una gran carga psicológica, Amenábar nos sorprende a todos los que creíamos conocerle con una producción muy alejada de los cánones de los que hasta el momento nos tenía acostumbrados: Mar Adentro. Un filme que narra la vida de Ramón Sanpedro, el tetrapléjico gallego que puso fin a su vida, con ayuda de algunas personas cercanas, en 1998 tras pasar postrado en una cama más de treinta años de su vida.

La película, de gran intensidad emocional, reabrió el controvertido tema de la eutanasia en nuestro país. Gracias no sólo a su realización, sino también a las magistrales interpretaciones de Javier Bardem y Belén Rueda, la cinta consiguió grandes premios: Premio Especial del Jurado de la Mostra de Venecia, Premios del Cine Europeo, un Globo de Oro, un Oscar y varios Goya.

De Galicia a Roma

Si la historia ambientada en Galicia os sorprendió, no me quiero imaginar lo que ha supuesto para vosotros su nuevo proyecto: Ágora, su producción más ambiciosa hasta el momento. Alejado del thriller psicológico (Tesis, Abre los ojos, Los otros) y de los temas de interés humano (Mar Adentro), el madrileño nos acerca con su nuevo proyecto a la Edad Antigua. Una historia épica sobre las andanzas de Hipatia, la primera científica y filósofa de Occidente, constituye la base argumental de Ágora, cuyo presupuesto rondó los 50 millones de euros.

Consciente de que aún se conocen pocos detalles sobre el filme, me atrevo a predecir que esta producción tiene la papeleta ganadora para convertirse en la favorita de 2009. A los cines españoles no tiene previsto llegar hasta septiembre, aunque los más afortunados ya podrán disfrutar de ella en Cannes, puesto que competirá en Sección Oficial, aunque fuera de concurso.

A aquellos que aún no conocíais a este tímido y controvertido realizador patrio os animo a que organicéis un maratón intensivo donde podáis poneros al día de su filmografía y así llegar a septiembre con la lección bien aprendida. Imagino que seáis pocos, así que al resto: PACIENCIA, ya queda menos para disfrutar del nuevo proyecto de este magnífico madrileño. QueAlucine, por el momento, le dedica este mes cinematográfico a este genio, embajador internacional de nuestro cine y perfecto conocedor de la máquina cinematográfica.

Gracias por tu talento AMENÁBAR…

El cine español resurge de una transitoria agonía. Hace aproximadamente dos años que nuestro arte cinematográfico gime, solloza y se compadece de cada uno de los estrenos de nacionalidad española que han llegado a las pantallas de este país. A ver si al final va a tener razón Almodóvar y resulta que “ser director de cine en España es como ser torero en Japón”, una hazaña popular digna de alabanza y vítores que pocos, muy pocos han conseguido realizar correctamente en este país.

Os presento al personaje del mes…

2009 podría ser el año del resurgir artístico del celuloide producido y dirigido por españoles, o por lo menos así lo auguran los próximos estrenos: Ágora de Alejandro Amenábar,  Mapa de los sonidos de Tokio de Isabel Coixet y El baile de la victoria de Fernando Trueba. La nueva cartelera española, renovada y oxigenada, quedará inaugurada el próximo 18 de marzo con el estreno mundial de Los abrazos rotos de Pedro Almodóvar. Una magnífica oportunidad para disfrutar del inusual y genuino cine del que es, sin duda, nuestro director más internacional.

Después de varios días de acalorados enfrentamientos con mi propia conciencia, decidí que el personaje del mes no podía ser otro que el director manchego. Pese a ser consciente de la importancia que tuvo para el cine español la victoria de Penélope Cruz en la última edición de los Oscar, he creído conveniente rendir homenaje al español que hasta ahora, junto con Buñuel, más méritos cinematográficos ha reunido y mayor reconocimiento nacional e internacional ha obtenido: dos Oscars, 6 Goyas, 3 César,  4 BAFTA, la Orden de Caballero de la Legión de Honor francesa, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Natural de Calzada de Calatrava (Cuidad Real) e hijo de un enólogo, Pedro Almodóvar se interesó por el séptimo arte desde pequeño. Inmerso en una alocada y frenética rutina adolescente decidió trasladarse a Madrid junto a su hermano Agustín, compañero de hazañas hasta el momento, con la única intención de cumplir sus sueños: dedicarse a contar historias, sus historias.

Durante años trabajó en diferentes empleos (Telefónica) y ahorró dinero suficiente para comprarse una cámara de súper ocho: “con ella empecé a rodar mis primeros cortos, que me sirvieron de aprendizaje como cineasta”, ha declarado Almodóvar en infinidad de ocasiones. Por aquella época las inquietudes artísticas que albergaba en su seno más íntimo eran muchas y dispares. Durante años compaginó sus inicios en el cine con otras actividades artísticas: escritor (guiones de cómic), actor teatral (formó parte del grupo Los Goliardos) y músico (creó un grupo de punk-glam-rock junto a McNamara). Escribió incluso una fotonovela, que más tarde le serviría como base para su primer largometraje: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón. No contaba con abundante presupuesto y sus medios técnicos eran limitados. Dio igual, su fuerza residía en otros aspectos más importantes: en la originalidad y el pulso que el director echó al cine de la época, convirtiendo al filme en “película de culto”.

Poco tiempo después llegarían importantes títulos en su filmografía: Laberinto de pasiones, con la que consiguió convertirse en un referente del cine español. Matador, con la que empezó a darse a conocer en el extranjero. Y Mujeres al borde de un ataque de nervios, la que le otorgó la fama definitiva y con la que obtuvo su primera nominación a los Oscar, en la categoría de mejor películas extranjera.

Su carrera profesional acababa de despegar. Los resultados obtenidos hasta el momento fueron inmejorables. Poco a poco se fue convirtiendo en una de las figuras más admiradas del cine español y sus siguientes trabajos, Átame y Tacones Lejanos,  obtendrían una excelente acogida por parte del público.

Mientras moldeaba su cine, elaboraba su elixir y probaba suerte en diferentes géneros y estilos, fueron surgiendo otros títulos de sobresalientes resultados: Entre tinieblas, ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, La Ley del deseo y Kika.

Aunque el culmen de su carrera aún estaba por llevar. Almodóvar logra escribir el punto y aparte de su trayectoria profesional en 1999. Hasta el momento todo eran éxitos nacionales, dibujos cinematográficos originales e historias castizas que parecían solo hacer gracias a los españolitos. Con Todo sobre mi madre algo cambió en el cine español y en la imagen que éste había proyectado hasta el momento en el exterior. Pese a no ser el primer español en recibir un Oscar, sí que fue el primero al que la Academia de cine de Hollywood se rindió descaradamente. Una sensación que quedaría confirmada un año después con su nominación a los Oscar en categorías hasta el momento reservadas para americanos: mejor director y mejor guión original (que finalmente obtendría) gracias a otras de sus películas más alabadas a nivel internacional, Hable con ella.

Con su último trabajo, Los abrazos rotos, espera y esperamos vuelva a sorprender y a confirmar su calidad cinematográfica, su ingenio como guionista y su talento para dirigir actores. La niña de sus ojos (Penélope Cruz) protagoniza nuevamente su película, como ya hizo en Volver, su anterior filme, con el que no consiguió nominación al Oscar, pero que sin embargo, le valdría el reconocimiento de la academia de cine español, que no dudó en concederle los galardones en las categorías más importantes: Mejor película, Mejor director, Mejor actriz (Penélope Cruz) y Mejor actriz de reparto (Carmen Maura).

“El cine francés llora. Se ha quedado huérfano…HUÉRFANO DE MAESTRO”

12 de enero. Todas las cadenas de televisión, radios y periódicos internacionales se hacían eco de una triste noticia: “Muere Claude Berri”, gurú de la  producción cinematográfica gala y uno de los mejores profesionales con los que el cine francés contaba. Una apoplejía acababa con 50 años de impecable historia profesional. ¡Qué Alucine! le admira, le admiraba, y sólo por lo que este actor, director y productor ha ofrecido en términos cinematográficos al arte universal, le brinda un más que merecido homenaje: un paseo por su vida, un digno reconocimiento y un emotivo recordatorio. Os presentamos al personaje del mes.

Claude Langmann (su verdadero nombre) nació el 1 de julio de 1934 en París. Antes de interesarse por el teatro, Berri trabajó brevemente en la peletería, como su padre Hirsh Langmann. Frustrado por su posible futuro -heredar el negocio de su progenitor- decide apostar por lo que realmente siente. Cambia su nombre –derivado del nombre de soltera de su madre- y se convierte en estudiante de cine y en actor. Tras pasar unos meses en la Cours Simon, reputada escuela de actores,  descubre su lugar en la vida y comienza a practicar lo que para él es el arte más bonito que existe: el CINE.

Consiguió participar, como actor, en más de 30 películas. Directores como Claude Chabrol y Claude Autant-Lara contaron con él para algunos de sus principales papeles. Pero Berri, muy exigente consigo mismo, se dio cuenta de que su vida no estaba delante de las cámaras. Harto de que no le confiaran mejores papeles abandona la escena y coge al cine por la cámara. Ahora era él el que decidía lo que se contaba. Aquí comienza su verdadera carrera.

En 1962 rueda Pollo, su primer cortometraje, y con él obtiene un Oscar. El reconocimiento que obtiene con este trabajo supone el pistoletazo de salida a una carrera llena de éxitos. Primero como director –veinte títulos componen su carrera-, y más adelante como productor.

Sus guiones siempre se caracterizaron por un importante componente autobiográfico. Y muestra de ello es su primer largometraje, Amor en tiempos de guerra una historia semiautobiográfica sobre su propia infancia como judío durante la ocupación nazi. En su haber como director también destacan verdaderos éxitos de crítica y taquilla; dos claros ejemplo son Adiós Pelele de 1983 y la saga Jean de Florete de 1986. Aunque no me gustaría olvidarme de Germinal, protagonizada por Gérard Depardieu, convirtiéndose en su momento, en la mayor producción del cine francés.

En 1987 crea su propia compañía productora: Renn Productions. Una importante decisión que le permitiría comenzar a desarrollar una faceta de él desconocida hasta el momento, la de productor. Entre sus éxitos destacaron Tess de Roman Polanski; La reina Margot, de Patrice Chéreau y La pequeña ladrona de Claude Miller . Sus éxitos más recientes fueron en 2008: Le graine et le moulet del franco-tunecino Abdellatif Kechiche, que obtuvo el César a la mejor película y Bienvenidos al Norte de Dany Boon, el filme con más audiencia en Francia con más de 20 millones de espectadores.

La vida de Claude Berri, por desgracia, no fue fácil. Pese a ser considerado el “último sultán” del cine francés y el “gran embajador del séptimo arte galo a través del mundo” su trayectoria personal no brilla de la misma manera. Un aspecto que durante mucho tiempo no le permitió ser feliz. Sus desgracias familiares me recuerdan en cierta manera a las de su gran amigo Roman Polanski. En 1997 su primera esposa se suicida y en 2002 muere uno de sus hijos, el también actor Julien Rassam, que había quedado tetrapléjico cuatro años antes. Una cadena de desgracias que no le permitirán disfrutar de sus últimos años de vida, siempre condenado a la depresión y a diversos achaques de salud, como el vivido en 2006, similar al que finalmente le costó la vida el pasado mes.

Aún así, y como muy bien dijo el presidente francés “es un hombre que dejará permanentemente su huella artística. Para muchos, seguirá siendo un modelo a seguir”. Sin duda alguna, para nosotros lo es y lo seguirá siendo.

Adiós Claude Berri…

El célebre Roman Polanski, director, guionista y actor polaco, es conocido internacionalmente no sólo por su filmografía, cargada de perturbadores dramas psicológicos, sino también por su intensa historia personal. El drama vivido por este director supera con creces ese tópico muchas veces mencionado por expertos cinematográficos y analistas sociales de que “la realidad supera la ficción”. Siendo conscientes de la exquisita calidad, originalidad y dramatismo que desprenden muchos de sus guiones, nada es comparable a la historia que a este polaco le ha tocado vivir.

De ancestros parcialmente judíos, experimentó en carne propia los males de la Segunda Guerra Mundial ya que poco antes de dar comienzo el conflicto se mudó con sus padres de París a Cracovia, Polonia, creyendo que allí estarían más seguros. Grave error, ya que fue allí precisamente donde sufrieron los peores horrores de la ocupación nazi. Durante la guerra pierde a su madre -católica quien fuera clasificada “racialmente” como judía por parte de padre- en los campos de concentración. Podríamos decir que el mudarse a Polonia se convertiría en la primera, de muchas, desgracias de su vida.

Después de la guerra, siendo muy joven, ya empezó a interesarse por el mundo del cine. Cursó estudios en la Escuela de Cine de Łódź. Su primer cortometraje es a la temprana edad de 21 años: Rower (1955). A continuación le siguieron títulos como Rozbijemy zabaw (1957), Usmiech zebiczny (1957), Dwaj ludzie z szafa (1958) (conocida en castellano como Dos hombres y un armario), Lampa (1959) y Gdy spadaja aniol (1959) (Ángeles caídos en España).

El éxito le llegó con su primer largometraje: El cuchillo en el agua (1962), con el que consiguió una nominación a la mejor película extranjera en los Óscar de 1963. La película ya mostraba algunas de las características de sus siguientes producciones, como su gusto por los ambientes claustrofóbicos, al colocar a tan sólo tres personajes (una pareja y un desconocido) que navegan en un pequeño barco.

Antes de dar el salto definitivo a los Estados Unidos pasó una importante etapa en Reino Unido donde produciría títulos tan conocidos como: Callejón sin salida (1966) con la que obtuvo el Oso de Oro en el festival de Berlín, así como muchos otros premios. Y que además le supondría su ansiado pasaporte a la meca del cine.

En 1967 Polanski llegó a Hollywood con el rodaje de El baile de los vampiros, primer filme que rueda en color. Este film, una parodia de las películas de vampiros de la época, le permitió mostrar sus dotes interpretativas y lo consagró en el mercado norteamericano. Esta película no sólo le convirtió en un director conocido sino que le permitió conocer a la que fue la mujer de su vida, la bellísima actriz Sharon Tate, con la que se casó.

En párrafos anteriores os dije que su drama personal comienza con la mudanza de su familia a Polonia, cuando él era pequeño. Lugar donde le tocaría vivir uno de sus mayores golpes, el asesinato de su madre a manos de los nazis. Si este fue el primer revés que recibió de la vida, el segundo tendría lugar en 1969, cuando su mujer y cuatro de sus mejores amigos fueron brutalmente asesinados por la Familia Manson en su casa, cuando él se encontraba en Londres.

Tras un período de depresión que intentó olvidar a base de una vida sexual desenfrenada, regresó al cine en 1971 con Macbeth, en una personal adaptación de la obra de William Shakespeare. La película fue el primer fracaso comercial de Polański, aunque en Inglaterra funcionó bien. Destaca en la película la matanza realizada por el protagonista sobre los escoltas del Rey que hace alusión a los asesinatos de su esposa y amigos.

Aunque sus dramas personales no cesaron con este brutal episodio. En 1977 Polański, de nuevo en EE.UU, fue acusado de haber mantenido relaciones sexuales con una joven de trece años. El suceso ocurrió debido a que Polanski era el encargado de realizar unas fotos a la joven para una revista. Durante la realización de éstas ambos se encontraban en casa de Jack Nicholson, que por aquel entonces era pareja de Anjelica Houston, en un jacuzzi con alcohol y drogas. La niña, que por aquel entonces tenía 13 años, lo acusó de violación, sodomía y de haberla drogado.

Previendo una condena mayor, abandonó el país mientras estaba en libertad bajo fianza y tras haber pasado unos meses en prisión en Chino. Nunca ha vuelto a pisar suelo estadounidense, aunque sus películas siguen siendo aplaudidas, como demuestra el Oscar que recibió al mejor director por El pianista, en 2002.

Hoy el caso vuelve a la primera plana de los periódicos internacionales. El director de 75 años, fugitivo de la justicia estadounidense desde hace más de tres décadas, no cree en la imparcialidad del sistema judicial de Los Ángeles. Sus abogados han solicitado que el juicio pendiente contra él en esta jurisdicción se traslade a otra ciudad, puesto que afirman que en Los Ángeles, el director nunca podrá tener un juicio justo. Para justificarlo se apoyan en las revelaciones hechas públicas en el documental Roman Polanski: wanted and desired, donde un fiscal hoy retirado explica abiertamente cómo hace tres décadas trató de convencer a Laurence J. Rittenband, el juez encargado de aquel caso, de que Polanksi era, básicamente, un pervertido.

El próximo día 21, la solicitud de Polanski, se debatirá en los tribunales. Os mantendré informados, aunque mucho me temo que el culebrón parece aún muy lejos de concluir.

Un mito, una leyenda cinematográfica. Su carrera abarca más de 4 décadas y a lo largo de ella ha conmovido a generaciones enteras de exigentes cinéfilos. Actor, director, productor, guionista y compositor son todas las facetas en las que el polifacético Eastwood ha destacado, convirtiéndose así en uno de los artistas más versátiles del séptimo arte. A sus 78 años aún se encuentra al pie del cañón y no tiene intención de jubilarse “hasta que alguien piense que debo hacerlo”, explicó hace unos meses a la prestigiosa revista The Daily Telegraph. Con tres proyectos a punto de ver la luz (El Intercambio, Gran Torino y The Human Factor), ¡QUÉ ALUCINE! eleva al veterano actor y director a la categoría de personaje del mes, una excusa perfecta para hacer un recorrido por su vida, destacar las claves de su éxito y rememorar algunos de sus proyectos más ambiciosos. En definitiva, un modesto homenaje a Clint Eastwood, uno de los directores y actores más prestigiosos del panorama cinematográfico internacional. Bienvenido a un paseo por la historia del cine…

Clint Eastwood Jr. nació en San Francisco y se crió en Oakland, después de ir de una ciudad a otra con su padre en busca de trabajo durante la Gran Depresión. Una experiencia, que más tarde el propio actor definiría, como necesaria e imprescindible para la consiguiente formación de su sistema de valores y la ética de su trabajo.

Debido a la situación económica familiar, Eastwood no pudo emprender estudios superiores, los que acabaría sustituyendo por diversos trabajos y su verdadera pasión: la música. Cumplió el servicio militar como instructor de natación, y ello le permitió ahorrar unos dólares con los que emprendería su exitosa carrera cinematográfica.

Su formación interpretativa corrió a cargo de Los Angeles College, mientras que su capacidad creativa y sus dotes de dirección se fraguaron a medida que adquiría experiencia y madurez profesional, dos importantes aspectos que comenzaron a moldearse a partir de 1955, cuando se produjo su debut cinematográfico.

Gracias a la ayuda que le prestaron dos compañeros del campamento militar, dos conocidos actores (David Janssen y Martín Milner), logró un contrato con Universal. Intervino en once películas como actor, donde destacaron títulos como La venganza del monstruo de la Laguna Negra, Hoy como ayer o Zafarrancho de combate. Trampolines al estrellato, que le allanaron el camino a la televisión donde consiguió uno de los papeles claves de su carrera y a partir del cual su cara se hizo conocida en EE.UU, cowboy Rowdy Yates.

De vuelta en el cine, Eastwood trabajó durante los años 60 en westerns, como El bueno, el malo y el feo, un éxito de taquilla que le convirtió en estrella internacional. Y a principios de los 70 llegó el que sería uno de los personajes más emblemáticos de su carrera como actor: el inspector de policía, Harry el sucio, protagonista de una saga de películas ya clásica, donde estamparía su mítica figura de duro y sin piedad.

Su imagen se hizo cada vez más popular, hasta que consolidó su status como uno de los actores más respetados de Hollywood. Época en la que además acostumbraba a pasear con un orangután como mascota, y en la que no sólo desataría por sus dotes interpretativas, sino que también comenzaría a apuntar maneras en la dirección cinematográfica, con el estreno en 1971 de Escalofrío en la noche, su debut como director.

Limitándome a destacar los títulos más representativos de su carrera, os diré que en lo que a su carrera interpretativa respecta destacan películas, además de las nombradas anteriormente, como La leyenda de la ciudad sin nombre, Fuga de Alcatraz, Ciudad muy caliente o En la línea de fuego. En calidad de actor y director ha trabajado en films tan destacados como El jinete pálido, El sargento de hierro, Los puentes de Madison, Cazador blanco, cazador negro o Million Dollar Baby. Y sólo como director es responsable de películas como Bird, Medianoche en el jardín del bien y del mal o Mystic River, por la que sería nominado a los Oscar.

Hoy vuelve a ser actualidad por sus próximos proyectos. Dos de ellos a punto de ser estrenados en nuestro país: El intercambio, basada en un hecho real y que conmocionó a la ciudad de Los Ángeles y Gran Torino, posiblemente la nueva entrega de Harry el sucio. Dos apuestas muy esperadas por la crítica y sus fans más incondicionales, que sentados en la butaca sabrán disfrutar de su cine personal y humano, y de sus arriesgadas apuestas, hazañas cinematográficas que muy pocos se atreverían a emprender.

Como Jesús Franco pocos le conoceréis. Mejor será que os hable de Jess Franco, Clifford Brown, James P. Johnson, Jess Frank…todos ellos seudónimos bajo los que se esconde uno de nuestros cineastas más internacionales y reconocido como director de culto tanto en Alemania y Francia como en EE.UU.

Por fin la Academia de Cine de España rinde homenaje a Jesús Franco, director, guionista, productor, actor, montador y músico. Tras un comunicado oficial la Academia ha anunciado que el cineasta recibirá, en la próxima gala de los Premios Goya prevista para el 1 de febrero de 2009, uno de los galardones más prestigiosos del cine español: El Goya de Honor, reconocimiento del que sólo han sido merecedores unos pocos.

Según declaraciones de la Academia, las razones son obvias: “por su larga, rica y variada filmografía, así como por su absoluta entrega a la profesión”, apreciación que por supuesto comparto.

Convertido en los últimos años en un referente creativo y un ejemplo vital para varias generaciones de cineastas y aficionados dentro y fuera de nuestras fronteras, la Academia quiere con este reconocimiento destacar la labor de toda una vida en el mundo cinematográfica y premiar el trabajo de Jesús Franco, no sólo como director sino también como artista en diferentes especialidades, como la interpretación, la composición musical y la escritura.

Siempre dispuesto a hacer cosas diferentes, Jess Franco ha sido autor y director de historias de muy diversa índole. Aunque especialista en el género de terror erótico siempre ha buscado curtirse en muchos géneros. Director de más de 200 películas ha tenido el honor de colaborar con directores de la talla de Orson Welles y ser padrino de profesión  de grandes actores  como Howard Vernon, Antonio Mayans y Christopher Lee.

Ilusión, esfuerzo y un gran sentido de la superación

Nació en Madrid en 1936. Interesado por la música desde niño y licenciado en Derecho, Jesús Franco decidió ingresar en el Instituto de Investigaciones y experiencias Cinematográficas. Sus primeros trabajos como director dieron como fruto películas culturales, normalmente documentales de corta duración sobre diversos temas de la esplendorosa España del pasado hasta que por fin realizó su primer largometraje: Tenemos 18 años, protagonizada por Antonio Ozores y Terele Pávez. Aunque no fue hasta 1962, con la famosa Gritos en la noche, cuando consiguió un reconocimiento importante.

Aclamado por los fans del género de terror, que empezó a cultivar con cierta frecuencia, pronto se convirtió en enemigo de la dictadura. Sin embargo, las buenas críticas recibidas por sus trabajos en aquella época, se materializaron en ayudas económicas con las que pudo continuar su obra. Frustrado por la acción de la dictadura decide exiliarse para realizar Necronomicón (1967), con la que se ganó el clamor del público a nivel internacional.

No le faltaron productores fuera de España, y no sólo por sus incursiones en el género de terror, sino que también le apoyaron en proyectos cómicos y dramáticos que decidió realizar. No todo lo que hizo estuvo rodeado de buenas críticas sino que muchas de sus producciones fueron detestadas por el público por tratarse de películas de bajo presupuesto. Trabajaba a un ritmo frenético, estrenando entre siete y nueve películas anuales, aunque ahora su ritmo ha descendido.

Los años le pesan aunque si algo tiene claro es que morirá  “con la cámara al hombro”. La ilusión no la ha perdido y recibir este premio es para él “una alegría y un honor”. Un reconocimiento que España le debe y que por fin se producirá el 1 de febrero en la Gala de los XXIII Premios Goya.

DESDE QUEALUCINE TAMBIÉN QUEREMOS FELICITARTE, SEÑOR JESS. CINEASTAS COMO TÚ SON LOS QUE NECESITA EL CINE NO SÓLO ESPAÑOL, SINO TAMBIÉN INTERNACIONAL. GRACIAS POR TU DEDICACIÓN.

“La muerte es el comienzo de la inmortalidad”…y aunque suene mal decirlo, gracias a ella hoy ya podemos decir que Paul Newman es un mito, una leyenda…Una pieza clave de la historia reciente del cine mundial, que todo amante del séptimo arte conoce y conocerá. Generaciones futuras podrán seguir disfrutando de él, de su trabajo y de su profesionalidad, porque pasen los años que pasen su nombre perdurará y su esencia, que es su obra, quedará entre nosotros.

Está claro que personas como Newman nunca mueren, por lo menos, para aquellos que nos consideramos sus seguidores. Puede que su persona ya no esté entre nosotros pero creo que Paul se esforzó tanto en vida por dejar huella que ésta impregnará el ambiente artístico durante siglos. No hará falta verle en directo ni en persona para sentir que forma y seguirá formando parte de ese entramado industrial que algunos osan llamar cine. Y sino que se lo digan a estrellas de la talla de Orson Welles, Humphry Bogart, Hitchcock o Buñuel…los cuales no FUERON sino que aún hoy SON estrellas.

Como todo hijo de vecino, Paul Newman comenzó a labrar su carrera artística “paso a paso”, hace ya más de cincuenta años. Hijo de padre de origen judeo-alemán y madre católica con raíces húngaras, se introdujo en el mundo del espectáculo de la mano de una compañía de teatro de Illinois, la Woodstock Player’s, donde trabajaba la que sería su primera esposa, Jacky Witte, madre de sus hijos Scott, Susan y Stephanie, y de quien se divorció en 1958, tras nueve años de matrimonio.

Tras varios papeles de extra, figurante esporádico y secundario con poco papel en varias series de la TV norteamericana, prueba suerte en el cine. Su primera película fue The Silver Chalice “El cáliz de plata”1954 de Víctor Sallice, cinta bíblica de lujosa producción y regulares resultados a nivel de crítica y público, que fue descrita por el propio Newman como “la peor película de la década”.

Su primer éxito le llegó dos años después con un film de enorme repercusión a nivel internacional: Marcado por el odio (1956) de Robert Wise, en la que encarnó al boxeador Rocky Graziano en un papel al que también optaba Steve McQueen, y en que  brilló con una interpretación bastante notable al lado de dos jovencísimos Pier Angeli y Sal Mineo.

Con el paso del tiempo Newman se fue haciendo un hueco en la clasista meca del cine, y en 1966 por fin llegó su consagración definitiva como estrella de Hollywood gracias a su participación en una superproducción de cine negro que hizo historia: Harper, detective privado de Jack Smight que supone una renovación formal y estilística de un género ya en decadencia pero que este film actualiza y reinventa. A partir de entonces medio mundo admirará a Paul Newman como actor y miles de mujeres soñarán con el color de sus ojos y su mirada penetrante.

Tras rodar con grandes estrellas e importantes directores se convierte en una pieza clave del cine internacional. Prestigiosos premios recaen sobre sus espaldas reconociéndole no solo el esfuerzo profesional que realiza sino también la empatía que despierta en el público y la crítica universal. Nadie pueda dudar que la cámara lo amaba y que su estilo, hondo como su mirada, sobrevivirá en las retinas del mundo entero. Arrebatadoramente guapo y magnético, este animal cinematográfico supo envejecer con dignidad y belleza, legándonos un ejemplo de saber estar y elegancia del que pocos pueden presumir.

Adivina adivinanza… Os presento al nuevo personaje del mes

Nació el 1 de diciembre de 1935 en el barrio de Brooklyn, Nueva York con el nombre de Allan Stewart Konigsberg. Es considerado uno de los principales directores y guionistas cinematográficos contemporáneos. Proviene de una familia judía de orígenes ruso-austríacos, a la que él mismo define como “burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa”. Y hoy es toda una leyenda del cine internacional, un hombre de referencia y un ejemplo para miles de entusiastas cineastas que hoy están emprendiendo sus carreras artísticas. Hace unas semanas que Eric Lax, su biógrafo personal, editó un libro titulado “Conversaciones con Woody Allen” en el que él mismo se define como: “un humorista de Brooklyn y Broadway que ha tenido mucha suerte”. Aunque todos los que le seguimos sabemos que no es suerte, sino talento.

Va por ti, Woody Allen… por poner en práctica en cada una de tus películas ese ingrediente secreto que tanta envidia ha despertado entre tus compatriotas: ORIGINALIDAD.

Cada vez estamos más cerca del esperadísimo estreno en nuestro país de su último trabajo: “Vicky Cristina Barcelona”, rodada en España, a caballo entre Barcelona y Oviedo, y que cuenta entre sus protagonistas con dos de nuestras estrellas más internacionales: Javier Bardem y Penélope Cruz.

A escasos dos días del estreno el 19 de septiembre y aprovechando que Allen  está a punto de aterrizar en España para abrir la nueva edición del Festival de San Sebastián, voy a hacer gala de su ingenio, y repasar junto a vosotros su interesante vida, llena de inquietudes y fantasías, más propias de un hombre brillante y de extraordinaria capacidad intelectual, que de un bohemio ridículo y sin sentido, como muchos nos han querido hacer creer.

Woody Allen es a sus 72 años uno de los cineastas más particulares y prestigiosos del planeta. Su faceta cómica es la que más le caracteriza. Es a la que se le suele asociar, tanto por los inicios de su carrera, cuando se hizo popular, como por el gran sentido del humor del que siempre hace gala en persona. Aunque también debemos destacar que ha demostrado que maneja el drama, por lo menos, con la misma facilidad y maestría, dejándolo claro en títulos como “Match Point”.

Trayectoria profesional de Woody Allen

Es un hombre de mundo, pícaro y despierto, que sabe hacer de sus películas verdaderas obras de arte. Su carrera comenzó como humorista a los 16 años, siempre asociado a otros humoristas. En 1957 se le concedió su primer premio Sylvana Award. A los 17 años tomaría la decisión de adoptar el seudónimo de Woody Allen. Comenzaría a trabajar individualmente, llegando a ejercer la tarea de director de sus espectáculos en la cadena de hoteles Borsch Belt de Nueva York, donde ya habían trabajado otros humoristas importantes como Jerry Lewis.

Aunque su incursión en el ámbito artístico no se produjo con el cine, sino con la música. Comenzó tocando el violín pero al cabo del tiempo lo abandonó por el clarinete, con el que demuestra su maestría, con cierta asiduidad, como miembro del grupo de Jazz “The New Orleans Jazz Band” y que tanta experiencia le ha otorgado para componer sus propias bandas sonoras.

En 1968 rueda su primera película (primera película completamente escrita y dirigida por él y en la que también actúa), “Take the money and run”. Al principio fue difícil encontrar una productora que financiara el proyecto (costaba dos millones de dólares), pero finalmente Palomar Pictures decidió apoyarlo. La productora no estuvo muy contenta con el resultado final, y contra todo pronóstico, la película resultó ser todo un éxito de público.

Como consecuencia de este primer éxito la carrera de Woody Allen no parará hasta alcanzar la cima como director y guionista y también como actor, con la realización de películas ambientadas principalmente en su querida Manhattan, siendo uno de los primeros directores americanos en reivindicar a cineastas europeos como Ingmar Bergman.

Fuerte vínculo con el cine europeo

A partir de este momento se comenzará a hacer realmente visible su estrecha vinculación con el cine europeo. Muchos de sus compañeros de profesión le acusarán de hacer cine de autor al más puro estilo europeo, algo que él nunca negará y por lo que realmente se siente satisfecho, puesto que le ha permitido tocar el techo del éxito en nuestro continente. Un mercado que le ha apetecido conocer y un público objetivo al que no ha tardado en encandilar.

Este es Woody Allen, señores. Una leyenda en viva, un genio hecho realidad y una garantía de futuro para el cine internacional, que guardará en su selectiva memoria  cada uno de sus trabajos. Aunque tampoco creo que se olvide de sus geniales frases como la que a continuación os transcribo, que tantas sonrisas ha despertado, aunque se trate de una cruel realidad:

“El mago hizo un gesto y desapareció el hambre; hizo otro gesto y desapareció la injusticia; hizo otro gesto y desapareció la guerra. El político hizo un gesto y desapareció el mago”.

Triste pero cierto, como diría el propio Allen…

AGOSTO: MES DEDICADO A LUIS BUÑUEL

Para todos aquellos que aún vivís en pecado por no conocer a LUIS BUÑUEL…

Ayer se cumplieron 25 años de la muerte de uno de los directores de cine más reconocidos que el séptimo arte español ha dado al resto del mundo: LUIS BUÑUEL, conocido, querido y alabado en los circuitos de cine más internacionales de Europa y América. Es considerado uno de los directores más importantes y originales de la historia del cine mundial, y aunque una gran parte de su obra fue rodada fuera de nuestras fronteras,  en Francia y México principalmente, los que de verdad amamos este arte siempre le consideraremos  el mejor embajador cultural que nuestro país ha tenido durante décadas. A lo mejor hay personas que no conocen su obra pero seguro que le recordarán por frases tan míticas como la que le dijo a su mujer poco antes de fallecer y que daría la vuelta al mundo, “Ahora sí que muero” o “Gracias a Dios soy ateo”, tan parafraseadas posteriormente.

Aunque su infancia la pasó en Zaragoza, de donde es originario,  su crecimiento intelectual lo experimentó en Madrid cuando se fue allí a estudiar. Durante sus estancia en la Residencia de Estudiantes se codeó con intelectuales de la talla de Federico García Lorca, Salvador Dalí y Rafael Alberti, entre otros muchos. Con ellos experimentó el placer de la literatura, el teatro y la puesta en escena, que más tarde le convertirían en uno de los mejores profesionales que el cine universal ha tenido. Durante sus primeros años de madurez comenzó a escribir cuentos y poemas en revistas de vanguardia y muchas de las imágenes de los escritos de estos años pasarían posteriormente a su cine.

Aunque en Madrid ya vio cine, no fue hasta su llegada a París cuando comenzaría a consumirlo intensivamente, llegando a acudir a las salas de exhibición hasta tres veces diarias. Fue viendo “Las Tres Luces” de Frizt Lang cuando de verdad se dio cuanta que él lo que deseaba era dedicarse al arte del celuloide. Sin pensárselo dos veces, se plantó frente a Jean Epstein, un director de cine francés de la época, y le propuso trabajar en su rodaje desempeñando cualquier labor a cambio de que éste le dejase aprender el oficio del cine. Epstein en poco tiempo ya le dejaría ser su ayudante de dirección en algunas de las películas mudas que produjo por esos años.

Sería en 1929, junto a Salvador Dalí y con el estreno del Perro Andaluz, cuando el reducido y escogido público cinéfilo de esa época se rindiera a sus pies. La premier se hizo en el Studio des Ursulines de París y el clamoroso interés que despertó hizo que pasara por allí la gran mayoría de los intelectuales parisinos de aquella época. A finales del año se vuelve a reunir con el pintor catalán para preparar su próxima película La Edad de Oro, cuyo estreno quedará boicoteado por la extrema derecha francesa y las autoridades que decidirán retirarla del circuito y requisar todas sus copias. No fue hasta 1980 cuando la película volvió a ver la luz en Nueva York y un año más tarde en París.

En 1930 se trasladó a Hollywood y contratado como “observador” por la Metro Goldwyn Mayer aprendería la peculiar forma norteamericana de hacer cine. Tras su regreso a Madrid fundó junto a Ricardo Urgoiti, la productora Filmófono, con la que produjo películas como Don Quintín el amargao, donde debutó en el cine la gran bailaora Carmen Amaya,  La hija de Juan Simón, ¿Quién me quiere a mí? y ¡Centinela alerta!. Todas ellas fueron rentables y suponían la consolidación de la industria cinematográfica española de los años treinta. Sin embargo, la Guerra Civil abortaría este proyecto.

Fijaos como era Buñuel que cuentan las leyendas que  la única condición que ponía para producir estas películas era, curiosamente, no aparecer en la ficha técnica, pues a sus ojos no eran más que “melodramas baratos”

Dentro de su obra es conveniente que destaquemos principalmente dos etapa:

1) ETAPA MEXICANA: cuyas producciones más destacadas fueron Susana(1951), Él (1953), Ensayo de un crimen, Nazarín (1958), que obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1959 y El ángel exterminador (1962), que constituye una de sus películas más importantes y personales.

2) ETAPA FRANCESA: Ya en su etapa mexicana Buñuel había rodado varias películas de producción francesa. Las elogiosas críticas europeas de Ensayo de un crimen, en una época caracterizada en Francia por el desarrollo de la Nouvelle vague, le abren las puertas de la cinematografía gala. Así, viaja a este país en 1955 para rodar Cela s’apelle l’aurore. Su carrera francesa fue meteórica y durante ella produjo títulos que cambiarían el rumbo del cine universal.

Luis Buñuel no fue nacionalista pero añoraba España y la tierra de su infancia. Siempre que podía y le dejaban volvía a España a rodar algún proyecto que tenía pensado con algún amigo suyo. Las cosas por aquel entonces no estaban fáciles en nuestro país y a él le era imposible expresarse en un lugar caracterizado por la intolerancia y la censura causadas por el sistema dictatorial en el que nos encontrábamos.

Recuerdo una vez leyendo acerca de Buñuel que me impresionó unas declaraciones que una vecina suya de México hizo acerca de nuestro cineasta más internacional. Ella que era vecina suya en la Colonia del Valle de la ciudad de México comentó que Buñuel nunca olvidó sus raíces: “en Semana Santa lo veía solo por el jardín de su casa haciendo redobles con un tambor y dando vueltas y vueltas”.

Si algo debemos tener claro es que pocos cineastas han desarrollado una carrera tan redonda, coherente y personal, como Luis Buñuel y que la obra del “maestro de Calanda”, como se le conocía por haber nacido en esa localidad aragonesa, está más vigente que nunca, una obra que muestra que el artista hizo siempre lo que quiso y contó lo que sentía, sin importarle los convencionalismos. Por ello, todos aquellos que nos consideramos amantes de este arte no podemos dejar pasar las oportunidades que se nos brindan para homenajear a aquellos que consideramos nuestros ídolos más grandes. Y eso es lo que yo estoy haciendo, homenajear a una de las personas que me convenció, a través de su trabajo, de que debía amar el cine.

“Luis Buñuel, allí donde estés, te recordaremos hoy y siempre”