Revolutionary Road, próximo estreno

EN CINES A PARTIR DEL 23 DE ENERO

Una joven pareja intenta encontrar la felicidad en una época donde predomina el conformismo. Atrapados en un mundo lleno de convenciones, ellos sueñan sin fe, mientras las mentiras y las autodecepciones les conducen a unas dramáticas consecuencias.

El próximo 23 de enero llega a los cines de España REVOLUTIONARY ROAD. Basada en la célebre novela de Richard Yates, esta película supone el reencuentro en la gran pantalla de los oscarizados Leonardo DiCaprio y Kate Winslet tras Titanic. Dirigida por Sam Mendes (“American Beauty”, “Camino a la Perdición”) y con una banda sonora compuesta por Thomas Newman (“American Beauty”, “Wall-E”, “A Dos Metros Bajo Tierra”, “Pimientos Verdes Fritos”…), la película ya cuenta de momento con 4 nominaciones a los Globos de Oro: mejor actor, mejor actriz, mejor director y mejor drama.

Crítica 28 semanas después

Un brote de un diabólico virus asola la isla de Gran Bretaña. Millones de personas son infectadas de algo parecido a la rabia que hará de ellos los mayores depredadores que la raza humana jamás haya tenido. Miedo, tensión e intriga son algunos de los sentimientos que el espectador no abandonará a lo largo de la proyección y en definitiva lo que le ha valido la denominación de “verdadera película de terror”.

Secuela de 28 Días Después. La película arranca seis meses después. El ejército de los Estados Unidos declara que la guerra contra la infección ha sido ganada y que la reconstrucción del país puede dar comienzo. Con el regreso de una primera oleada de refugiados se produce la reunión de una familia que se vio separada por los terribles acontecimientos que se produjeron, aunque uno de sus miembros porta, sin ser él consciente, un terrible secreto. El virus todavía no ha desaparecido y esta vez, es aún mucho más peligroso.

Si comenzamos por el principio de la historia deberíamos hacerlo por 28 días después, dirigida por Daniel Boyle, la primera parte de la saga. En su día marcó un antes y un después en el cine de terror, y más concretamente, en el género zombi. Ningún amante del género de terror olvidará jamás lo que su proyección supuso a nivel internacional. Aquel título de seres rápidos y letales que invadían Gran Bretaña mientras que “los americanos permanecían en sus casas frente al televisor viendo Los Simpson”, ha supuesto el pistoletazo de salida para una serie de películas (El Amanecer de los Muertos, Shawn of the Dead, La Tierra de los Muertos y la española REC) que de no ser por ella, nunca hubiesen visto la luz.

La elección de Fresnadillo al frente del segundo largometraje de la saga, a priori, resultó arriesgado. El día que Boyle anunció que el director español le sustituiría en la dirección del segundo proyecto nadie alcanzó a comprender sus motivos. Juan Carlos Fresnadillo era por aquel entonces considerado un novato en la dirección y hasta el momento únicamente había dirigido dos proyectos: un cortometraje (Esposados) y un largometraje de bastante éxito en nuestro país, Intacto.

Pese a que todo apuntaba al más estrepitoso fracaso, el resultado fue más que bueno. La película, estrenada en 2007, recorrió las principales carteleras mundiales y la crítica aplaudió el trabajo del novato tinerfeño que demostró, en esta película, el arsenal artístico que escondía.

Pese a contar con notables lagunas argumentales, la película logró calar en la gente y consiguió incluso acabar con el falso mito que dice: “Las segundas partes nunca fueron buenas”. Gracias al trabajo de Fresnadillo y de su equipo, 28 semanas después superó con creces el trabajo de Boyle y consiguió situarse entre las películas más taquilleras del año.

Tras un impactante inicio, en el que ni siquiera los créditos de apertura estorban (puesto que no existe), el espectador será consciente de que en esta nueva entrega todo será posible. Una cabaña en ruinas, un grupo de asustados supervivientes y desesperados zombis sedientos de sangre protagonizarán el terrorífico inicio del filme. Aunque genial será esa escena en a que el personaje de Catherine McCormack se encuentra en la ventana porque es abandonada, o la del personaje de Robert Carlyle intentando huir del infierno mientras ve como su mujer es devorada por las bestias, una importante premisa que, en parte, adelantará lo que será el resto del filme.

En cuanto al reparto, me gustaría destacar el trabajo del siempre estupendo Robert Carlyle, superviviente del primer ataque zombi. Con respecto a sus dos hijos, interpretados por Mackintosh Muggleton e Imogen Poots están bastante correctos y no resultan los típicos niños pelmazos de costumbre, protagonizando incluso algún que otro momento muy emocionante. A ellos hay que sumar a la cada vez más reconocible Rose Byrne, (Sunshine); a Catherine McCormack, esposa del personaje de Carlyle y madre de los chicos; y a los militares bondadosos, el héroe Jeremy Renner y el piloto Harold Perrineau (de la serie ‘Perdidos’). Los cuales cumplen perfectamente con su labor en la película, aunque también hay que decir que en este género no se requiere precisamente de grandes actores. El hecho de que la mayoría de ellos sean desconocidos creo que beneficia al film.

En resumidas cuentas, y a pesar de pertenecer al género de terror, “28 semanas después”, busca llégar a la conciencia de los espectadores y a través de duras imágenes advertirles de que ese futuro es posible. De que la acción indiscriminada del hombre y la manipulación química con fines terroristas son posibles y que las consecuencias pueden ser devastadoras. Está claro que ningún ejército del mundo, ni ningún manual de esos que consideramos expertos nos libraría de la acción letal de un virus destructivo. Simplemente acabaría con nosotros en un abrir y cerrar de ojos. Visión catastrofista; pero también realista.

Crítica Bella

Alejandro Gómez Monteverde, debuta con Bella a nivel internacional. Una historia ambiciosa, visualmente correcta, pero desde mi punto de vista, muy floja en lo que a ejecución y argumentación respecta. Ganadora del Gran Premio del Público en Toronto en el 2006, esperaba que grandes distribuidoras se pelearan por adquirirla. Un sueño, que en este caso, no ha coincidido con la realidad: el proceso de distribución ha resultado ser tedioso y lento y ninguna distribuidora grande obtuvo sus derechos. Finalmente, y gracias al boca a boca emprendido por el equipo y todos aquellos partidarios del filme, consiguió una anhelada fecha de estreno, resultando ser una de las películas independientes más taquilleras del año.

Una vez visionada, sensaciones contradictorias invadieron mi ser. Buena y mala, sencilla y compleja, bien y mal interpretada, correcta e incorrectamente ejecutada…así podría continuar el resto de mi crítica,  condenada a la más estrepitosa incongruencia y a la más alocada sinrazón. Propia de una clara incomprensión del argumento de fondo y de una pereza “intelectualoide” que fomenta, ya en los primeros diez minutos, Bella, un proyecto independiente con el que se pretende dignificar la imagen de los latinos en Nueva York y protestar ante una de las prácticas sociales más polémicas, el aborto.

Bella es una historia romántica que va muchos más allá del amor de pareja. Se trata de un amor entre dos personas que cargan con sus respectivos dolores, traumas y frustraciones, y cuyo apoyo les devolverá la ilusión por la vida que un día perdieron. José, estrella de fútbol internacional, se encontraba en su camino para firmar un contrato multimillonario, cuando una serie de eventos desafortunados desencadenan el final de su carrera de manera abrupta. Ahora es el chef principal del restaurante de su hermano Manny. Nina, la otra cara de la moneda, es una bella mesera en dicho lugar, quien lucha por sobrevivir en Nueva York. El despido de esta última, hace que sus vidas den un giro inesperado, convirtiendo un día ordinario en una experiencia inolvidable.

Una forzada historia de amor sin aparentes barreras de origen ni de idioma. Forzada por las circunstancias en las que se produce el encuentro entre los dos protagonistas: José y Nina. Una aparente casualidad unirá sus caminos. Digo aparente, puesto que es realmente obvio, de cara al espectador, que el encuentro entre ambos protagonistas no es en absoluto fortuito. El hecho de que José salga detrás de Nina no tendría explicación sino fuera porque es necesario para que la historia continúe.

En realidad, él no es responsable de su situación y por sus primeras conversaciones, ni siquiera mantenían una especial amistad. Sin embargo, no duda en arriesgar su empleo y acompañarle durante un día sin rumbo concreto y sin tener aparentemente ninguna solución que ofrecerle. Si por lo menos se intuyese el bien que hará a ambos su respectiva compañía, sus actos quedarían justificados, pero lo cierto es que eso no se descubre hasta el final de la cinta; cuando ambos narran sus traumas personales. Mientras tanto nos preguntamos el origen de dichas intenciones y los motivos que mueven a José a perseguir a Nina, a quien no duda en llevar a su casa y presentarla ante sus padres. Incongruencia, tras incongruencia.

Al film también le falta profundidad psicológica en sus conversaciones. Un aspecto que obliga al espectador a no creerse mucho las situaciones por las que ambos personajes atraviesan. Un problema quizás no tanto del trabajo de los intérpretes, Alejandro Verástegui y Tammy Blanchard, sino más bien del guión construido por el director de la historia. Traumas narrados a través de convencionalismos propiciados por la utilización de recursos como flashbacks o flasforward que mostrará los miedos y miserias de los personajes, en muchos casos no muy bien insertados en la acción.

En definitivo, aspectos que contribuyen a que piense que la historia de José y Nina no es más que una simple excusa, metida con calzador, que le sirve a Monteverde, para ir más allá del convencionalismo cinematográfico y el mero entretenimiento.  Siendo más consciente a  medida que la cinta avanza del verdadero  telón de fondo de la historia: protestar contra el polémico y controvertido acto del aborto y reivindicar la figura de los latinos en EE.UU. Intención que acabará de un plumazo con la sencillez e inocencia que en un principio anunciaba la historia.

El valiente Despereaux, nueva película de animación

EN CINES A PARTIR DEL 19 DE DICIEMBRE

El próximo 19 de Diciembre llega a los cines españoles El valiente Despereaux, la gran apuesta dentro del mundo del cine de animación de Universal Pictures para estas Navidades. Basada en el libro de Kate DiCamillo, El valiente Despereaux es una fábula llena de encanto, aventuras y personajes entrañables de la que sin duda podrá disfrutar toda la familia.

SINOPSIS

Hace tiempo, en el lejano reino de Dor, flotaba la magia en el aire, todos reían con ganas y había litros y litros de deliciosa sopa. Pero una terrible desgracia destrozó el corazón del rey, llenó a la princesa de añoranza y dejó al pueblo sin sopa. Desapareció el sol. El mundo se tornó gris. No quedaba esperanza hasta que… nació Despereaux Tilling.

Este cuento de hadas moderno está protagonizado por unos héroes de lo más inesperado: Despereaux (Matthew Broderick), un ratón muy valiente encarcelado en una torre por hablar con un ser humano; Roscuro (Dustin Hoffman), una rata con buen corazón y pasión por la sopa, condenada a vivir en las sombras; Pea (Emma Watson), una princesa que vive en un lúgubre castillo presa de la tristeza de su padre, y Mig (Tracey Ullman), una criada que desea ser princesa, pero que debe servir al carcelero (Robbie Coltrane).

Despereaux, un diminuto ratón con enormes orejas, es demasiado grande para el pequeño mundo que le rodea. Rehúsa aceptar una vida gobernada por la debilidad y el temor, y se hace amigo de una princesa llamada Pea, que le enseña a leer libros (en vez de roerlos) donde se habla de caballeros, dragones y dulces doncellas. Acaban echándole de la sociedad ratonil por querer ser más que un ratón y se hace amigo de otro marginado, la rata Roscuro, que también quiere oír los cuentos de caballería. La princesa rechaza la amistad que le brinda Roscuro, por lo que este se convierte en una auténtica rata y planea vengarse con la ayuda de Mig.

Cuando la princesa Pea desaparece, Despereaux descubre que sólo él es capaz de salvarla y que hasta el ratón más diminuto puede reunir el valor de un caballero de brillante armadura. En esta historia de coraje, perdón y redención, una diminuta criatura enseñará a todo un reino que sólo hace falta un pequeño rayo de luz para demostrar que la apariencia poco tiene que ver con lo que uno es realmente.

El intercambio, nueva película de Clint Eastwood

EN CINES A PARTIR DEL 19 DE DICIEMBRE

 

Clint Eastwood vuelve a la actualidad cinematográfica con un nuevo, brillante y destacable trabajo: El Intercambio. Un drama emotivo y provocador basado en los acontecimientos reales que transformaron la ciudad de Los Ángeles. La historia de una gran mujer, con una fuerza indomable, que no se rindió ante un corrupto departamento de policía e hizo posible una nueva época de dignidad e igualdad.

SINOPSIS

Los Ángeles, marzo de 1928. Un precioso sábado por la mañana en un barrio obrero, Christine Collins (Angelina Jolie), madre soltera, se despide de Walter, su hijo de nueve años, para acudir a su trabajo de operadora telefónica. Pero cuando Christine regresa a su casa, se enfrenta a la peor pesadilla de cualquier madre: su hijo ha desaparecido.

Lo denuncia ante la policía y empieza una minuciosa e infructuosa búsqueda. Walter ha desaparecido sin dejar rastro. Sin embargo cinco meses después, aparece otro niño que asegura ser su hijo. La policía, a la que le vendrá muy bien la publicidad que surgirá de un reencuentro público, le entrega el niño. Christine, aturdida por los fotógrafos, los reporteros y la policía, acaba llevándoselo a casa a pesar de saber que no es su hijo Walter.

Christine no se rinde e insiste en que la policía siga buscando a su verdadero hijo, pero pronto descubre que, en la época de la Prohibición en Los Ángeles, una mujer no se enfrenta al sistema y sobrevive para contarlo. Acusada de desequilibrada y de ser una madre irresponsable, encuentra un aliado inesperado. Se trata del reverendo Gustav Briegleb (John Malkovich), que la ayuda a luchar contra la municipalidad y a buscar a su hijo.

A pesar de un departamento de policía corrupto que cuestiona su salud mental y de un público escéptico deseoso de ver un final feliz, Christine no deja de buscar respuestas. Esta valiente mujer acabará convirtiéndose en una heroína de los pobres y los oprimidos, que habían sido maltratados e ignorados sistemáticamente por la policía de Los Ángeles. Ahora, una mujer ha decidido seguir adelante hasta encontrar a su hijo, a menos que los encargados de protegerla y ayudarla la silencien para siempre.

Crepúsculo. Estreno 5 de diciembre

CREPÚSCULO (estreno el 5 de diciembre)
Género: Romántica-Thriller
Producción: EE.UU
Director: Catherine Hardwicke
Intérpretes: Kristen Stewart y Robert Pattinson

Sinopsis: Cuando la madre de Bella Swan (Kristen Stewart) empieza a viajar con su nuevo marido, la joven de 17 años no tiene más remedio que abandonar su hogar en Phoenix y volver a vivir con su padre en la minúscula localidad de Forks, en el estado de Washington. Tras el incesante sol de Arizona, el brumoso clima gris de Forks resulta bastante exótico para Bella, al igual que sus nuevos compañeros de clase, la familia Cullen. Increíblemente atractivos y sumamente reservados, no se parecen a nadie que haya conocido, en más sentidos de lo que imagina. Más información.

Bolt. Estreno 5 de diciembre

BOLT (estreno el 5 de diciembre)
Género: Animación
Producción: EE.UU
Director: Chris Williams y Byron Howard
Intérpretes: John Travolta y Woody Harrelson

Sinopsis: Para el super-perro Bolt (al que da voz John Travolta), todos los días están de aventuras, peligros e intriga – al menos hasta que las cámaras dejan de grabar, ya que es el protagonista de un famoso programa de televisión. -. Pero cuando la estrella canina del gran éxito televisivo es enviada accidentalmente desde sus estudios de Hollywood a Nueva York, comienza su mayor aventura en un viaje campo a través por el mundo real. Bolt está convencido de que todos sus increíbles poderes y hazañas son reales. Pero, con la ayuda de dos extraños compañeros de viaje – un hastiado y abandonado gato de compañía de nombre Mittens (con la voz de Susie Essman), y un hámster en una bola de plástico obsesionado por la televisión llamado Rhino – Bolt descubre que no necesita superpoderes para ser un héroe. Miley Cyrus (“Hannah Montana”) pone la voz al personaje de Penny, la coprotagonista humana de Bolt en la serie de televisión. Más información.

Crítica Gomorra

Es increíble la facilidad con la que los potencias occidentales ondean la bandera de la igualdad, la tolerancia y los derechos humanos. Es inquietante comprobar cómo los discursos políticos más comprometidos siempre comienzan igual: haciendo alusión a la igualdad entre ciudadanos, a la lucha contra el terrorismo y a la discriminación. Y son detestables nuestras condenas, en nombre de la verdad, a todos aquellos regímenes diferentes, que imperan en países culturalmente distintos a los nuestros: “Nosotros todo lo hacemos bien, el resto todo lo hacen mal”, parece ser nuestro lema.

Crítica, crítica y autocrítica es lo que necesitan países como el nuestro. ¿Qué idea de libertad trasmitimos al resto de pueblos en transición política, cuando dentro de nuestra sociedad, escritores y periodista aún tienen que esconderse de la luz pública por temor a ser vapuleados?. El caso de Roberto Saviano aún es más grave. Amenazado de muerte por la mafia italiana se ha visto obligado a exiliarse y retirarse de la vida pública, por temor a que la Camorra cumpla sus intenciones de matarle antes de que lleguen las Navidades. Una triste realidad que no procede de países conflictivos como Colombia, Brasil o cualquier país africano, sino que procede de un país como Italia, cuna de la civilización clásica, miembro del G8 de países industrializados y séptima potencia económica a nivel mundial.

Al cautiverio de Saviano ha decidido unirse Garrone, el principal responsable de la adaptación cinematográfica de una de las historias más controvertidas publicadas recientemente en Italia: GOMORRA. Consciente del peligro que podía llegar a correr su vida por la implicación en el proyecto, no lo dudó ni un instante: “ya es hora de que los italianos hagamos algo por denunciar las infames vicisitudes de las que es testigo nuestra sociedad, por culpa de organizaciones violentas y mafiosas que propagan el temor e imponen su ley a la fuerza”.

Valientes y comprometidos con las causas justas, Saviano desde su libro y Garrone desde su largometraje, han decidido, a sabiendas de que arriesgaban sus vidas, denunciar públicamente uno de los negocios más lucrativos de Italia y que maneja la que es una de las organizaciones criminales que más vidas se cobra en todo el planeta: la mafia o Camorra, como se le conoce en términos despectivos o de jerga policial y periodística.

El resultado es un filme con personalidad propia no sólo por su temática, sino por su curiosa exposición. Retrata desde diferentes puntos de vista las acciones y las consecuencias  de la mafia napolitana, una de las organizaciones criminales más sanguinarias del mundo.

Por Nápoles, ciudad protagonista de Gomorra, circulan los personaje del filme: un niño que no le queda otra que implicarse en una u otra banda para vivir a sueldo de la Camorra; el “pagador” de la organización, que vive entre dos fuegos; un sastre al servicio de los mafiosos; o todo un entramado para deshacerse de residuos tóxicos, saltándose los mínimos procedimientos de seguridad. Lo que le interesa al director es plasmar en la gran pantalla el punto de vista de los personajes para descubrir los motivos por los que se introduce en ese mundo del que es difícil salir.

No es un documental, pero tampoco respeta las normas narrativas y estilísticas del cine. No hay una trama clara, ni una evolución palpable de los personajes o de la narración más allá del día a día. Sino que, desde mi punto de vista, se trata de un retrato preciso de los barrios bajos de Nápoles. En este caso, las drogas, los asesinatos y la prostitución no son el centro de la denuncia sino el marco que rodea el documento, es decir, un registro fiel de lo que tristemente ocurre en el escalón inferior de la delincuencia más organizada.

Después de arrasar en Cannes y llegar a las salas de medio mundo como una de las propuestas favoritas del cine europeo, Gomorra, pretende mostrarnos a todos aquellos que vivimos alejados de esta penosa realidad, un episodio concreto de lo que las organizaciones criminales son capaces de llegar a hacer; y de lo que su denuncia supone a todos aquellos que están dispuestos a luchar contra una situación injusta por la que miles de ciudadanos deben de pasar, por culpa eso sí, de una miseria corrompida por el poder que otorga el dinero y las armas.

Festival Internacional de Cine de Gijón. Presentación de su 46 edición

Llevamos varios meses sin parar de celebrar importantes festivales internacionales de cine en nuestro país. Después de citas ineludibles y tan importantes como las de San Sebastián, Málaga, Sitges, Valladolid y Huelva, recientemente clausurado con la sorprendente victoria  de la producción chilena “La buena vida”, le toca el turno a Gijón.

Sus orígenes se remontan al año 1963. Una iniciativa del Ayuntamiento de Gijón, en colaboración con la Caja de Ahorros de Asturias (hoy Cajastur), propició el nacimiento de uno de los festivales de cine independiente más importante de nuestro país. Comenzó llamándose Certamen Internacional de Cine y TV Infantil, pero finalmente, en 1986, a este nombre se antepuso el de Festival Internacional de Cine de Gijón, denominación con la que actualmente se conoce a esta fiesta del cine asturiana.

El Festival otorga varios premios en las diferentes secciones competitivas de su programa. Para su concesión cuenta con un Jurado Internacional (formado por al menos cinco profesionales de diferentes países), un Jurado Joven (formado por 50 jóvenes de entre 17 y 26 años) y, desde 2005, con un Jurado FIPRESCI, Federación Internacional de Críticos Cinematográficos.

A lo largo de los últimos años han pasado por el Festival de Gijón algunos de los más prestigiosos profesionales del cine independiente a nivel mundial. Han visitado este festival como directores homenajeados, entre otros, Abbas Kiarostami, Aki Kaurismäki, Todd Haynes y Pedro Costa. Y además también se ha contado con la presencia de profesionales nacionales e internacionales en el jurado internacional o presentando películas en las diversas secciones del programa, como por ejemplo: John Cale, Monte Hellman, Paprika Steen, Julio Medem y Fele Martínez.

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1) Festival Internacional de Cine de Gijón. Homenajes 2008

2) Festival Internacional de Cine de Gijón. Filmografía independiente más destacada

Crítica Saw V: un paseo por la saga

Después de oir hablar durante años de esta eterna y terrorífica saga, por fin esta semana, del tirón, decidí ver todas las películas producidas hasta el momento. Comencé por la primera parte, que ya vi en su día, y después de varias horas frente al televisor, sin apenas pestañear, conseguí ponerme al día y convertirme en “freaki Saw”.

Debo reconocer que hasta la tercera parte, mi interés por la historia, no dejó de aumentar. Imbuida en el particular mundo Jigsaw, entrega a entrega, la historia me atrapó. No quiero dejar pasar la oportunidad de mostrar mi disconformidad con todos aquellos que recurren a la primera parte como única historia digna de mención. De hecho creo que la primera parte no sería nada sin las explicaciones que brindan la segunda y la tercera entrega: demasiadas incógnitas por descubrir, un final excesivamente abierto, una historia sin terminar y, lo peor de todo, un asesino por atrapar.

Originalidad quizás sea el adjetivo que mejor fina a la primera parte, y “más de lo mismo” a las siguientes, aunque debo reconocer que la intriga que dejan sus finales te invitan a continuar la historia cada vez más de cerca. Soy una amante incondicional del thriller, y la saga Saw, pese a ser muchas veces definida como películas de terror, creo que cumple bastante bien con las características típicas de este género. Una ventana abierta al misterio, un mundo desconocido y un malhechor con varios tentáculos que aun muerto es capaz de continuar con su obra.

Pese a conocer la identidad del asesino demasiado temprano, el interés por conocer más cosas sobre él no termina. Su psicología, sus intenciones, sus motivos…son aspectos que interesan al público. Puntos clave de un puzzle que forman parte de un sin fin de detalles que te obligan a ver las películas con los cinco sentidos puestos en las historias. Cada detalle es importante para comprender. Cada palabra de los personajes es fundamental. Y cada asociación necesaria para encajar los duros golpes de la historia, como por ejemplo, los asesinatos y los secuestros de los policías que comenzaron a investigar los casos.

Para mí, su peor error reside en la construcción de la trama.  Demasiado seriada para mi gusto, un aspecto negativo que impiden al público seguir y comprender una entrega sin haber visto las anteriores. Todas están tan relacionadas y son tan similares que no permiten a un espectador que no haya visto las anteriores estar tranquilo en su butaca. Las dudas y las preguntas le acecharán, la incomprensión de la historia le cegará, y el sentimiento de marginación se apoderará de él hasta que por fin decide dar por perdida la película.

Tras una larga tarde de tensión decidí culminar mi interés por la saga acudiendo al cine. Mi objetivo: ver la última pieza del puzzle que hasta el momento podía colocar en el esquema que me estaba formando a medida que engullía las cuatro anteriores partes: Saw V. Esta vez dirigida por el productor de diseño de las anteriores entregas en la saga, David Hackl.

Una quinta parte muy poco terrorífica y, sin embargo, muy explicativa. Con la que sus guionistas han intentado cerrar todas aquellas puertas que abrieron a lo largo de las anteriores. Un vuelta  a los orígenes de la historia, un descubrimiento de intenciones y una necesaria explicación a la inesperada relación que en la cuarta entrega se destapa entre “Puzzle” y Hoffman, el policía encargado de descubrir e investigar los anteriores casos.

El juego macabro en esta ocasión, y como podría preverse al final de Saw IV, apunta al agente Strahm (con una introducción impactante como pocas), cuyo rol recuerda mucho al del agente Tapp de la primera Saw: policía que pierde a compañero, se implica de forma obsesiva en el caso, es destituido e investiga por su cuenta. Por otro lado, y siguiendo con las referencias a las anteriores, la parte gore recae sobre un grupo de desconocidos que despiertan en una sala, y han de sortear diferentes trampas, como en Saw II.

En definitiva, no es la mejor película de la saga, pero mantiene el nivel de las anteriores en casi todo. Se mantiene estética, montaje, banda sonora, efectos visuales, e incluso ese rasgo tan peculiar de todos sus actores, que sin hacer grandes interpretaciones, han conseguido con su mediocridad conjunta darle más personalidad aún a la saga, y hasta parecer correctas, apropiadas e incluso necesarias.

La parte “negativa” se la lleva el guión, que aún siendo bastante bueno y original, da la impresión de acomodarse en la rutina y vivir de las rentas. Un riesgo asumido por la dirección aún sabiendo que a una parte importante del público le podía decepcionar.