Estrenos de cine. Semana del 2 de octubre

Nueva semana de estrenos, amigos. Esta vez, el número de estrenos es mayor al de la semana pasada. Las producciones europeas y americanas copan la lista de nuevas películas. A continuación os adjunto la relación y sus enlaces correspondientes a los que podréis acudir en caso de necesitar conocer más detalles:

Gigante (estreno el 2 de octubre)

 

 

 

 

La felicidad perfecta (estreno el 2 de octubre)

 

 

 

 

La máquina de pintar nubes (estreno el 2 de octubre)

 

 

 

 

Los límites del control (estreno el 2 de octubre)

 

 

 

 

Mónica del Raval (estreno el 2 de octubre)

 

 

 

 

Si la cosa funciona (estreno el 2 de octubre)

 

 

 

 

The Damned United (estreno el 2 de octubre)

 

 

 

 

Vicky el Vikingo (estreno el 2 de octubre)

 

 

 

 

REC 2 (estreno el 2 de octubre)

Crítica Desgracia

Un importante reto para Steve Jacobs, después del estrepitoso fracaso de La Spagnola. Una nueva oportunidad para llamar la atención, ¿será para bien?. Y una vuelta al peligroso mundo de las adaptaciones, ¿tendrá la suerte de acertar?. El autor elegido en esta ocasión es J. M Coetzeem, considerado uno de los mejores escritores del siglo XX y Premio Novel de Literatura 2003, y la obra seleccionada una de las más complejas de su colección: Disgrace, galardonada con el codiciado Premio Booker en 1999.

Diez años después de convertirse en una de las novelas más leídas del año y una de las más alabadas por la crítica internacional llega al cine. Así que añado: no sólo es un reto importante, sino sensiblemente peligroso. Si me permitís el símil, su adaptación al cine supone un arriesgado salto al vacío, y más aún si antes no nos hemos asegurado de que abajo nos encontraremos con una buena balsa de agua. Una vez visto la película, confirmo que en el fondo sí que había agua, aunque según revelan ciertas partes de la película, quizá no tanta como el público esperaba.

La historia, para aquellos que aún no lo sepáis, transcurre con el telón de fondo de una Sudáfrica post Apartheid con unas secuelas muy significativas en la moral y el estilo de vida de sus habitantes. El protagonista es  David Lurie, divorciado y profesor de Poesía Romántica en una universidad sudafricana. David es un hombre privilegiado, pero abusa de su posición académica para tener una aventura con Melanie Isaacs, una joven estudiante mestiza. Después de un juicio bastante inquisitorial por parte del tribunal universitario, en el que rehúsa defenderse por orgullo, se ve obligado a dimitir. Cansado de la ciudad decide ir a pasar una temporada con su hija al campo, donde se desencadenarán una serie de acontecimientos que le obligarán a plantearse su vida y aceptar las desgracias que a cada uno de nosotros nos vienen dadas. Momentos de reflexión y preguntas sin respuesta serán una máxima a lo largo del planteamiento que realiza el director: una adaptación sin aditivos, seca y áspera con fundamento, poblada por individuos ceíbles arrojados a un lodazal de paradojas terribles en un equilibrio muy logrado de emociones al límite.

Debo admitir que la complejidad de su historia, para mí, acepta resbalones. Nadie ha dicho nunca que fuera fácil hacer una adaptación y a los hecho me remito. No es sencillo reflejar en 2 horas de proyección el mundo interno de un personaje cuya ínfima complejidad solo puede ser explicada a base de hojas y hojas de infinitas explicaciones. Aquí es donde reside la principal diferencia entre la literatura y el cine: en las limitaciones. La escritura se viste de licencias de las que el cine nunca podrá presumir. La magia que ambos artes intentar trasmitir al público disiente enormemente, aunque no me gustaría entrar en el eterno debate de cual de ellos es mejor, seguro que existen infinitas reacciones al respecto. Aunque sí que quiero resaltar el enorme riesgo que asume un cineasta cuando decide llevar una obra literaria al cine, y más aún sí de la obra de la que se trata es considerada un clásico, como es el caso que nos ocupa.

Por este motivo, principalmente, me gustaría felicitar a Jacobos. Por la valentía demostrada al aceptar el reto. Un reto bastante pulido, tal y como he podido constatar, después de haber pasado por las manos de Anna Maria Monticelli, que hizo de la novela un guión cinematográfico perfectamente hilvanado, construido y justificado, y en el que, sin ánimo de resultar pejiguera, solo hecho en falta una cosa: una mayor profundización en el peculiar mundo interior del principal personaje, el profesor David Lurie. Aunque como he dicho anteriormente, acepto ciertos resbalones propios de la limitación del cine, y este es uno de ellos.

Querer conocer a David Lurie a través de la película es imposible. Y querer averiguar sus motivaciones, sus intenciones y sus sentimientos  se antojará arduo complicado para el público cinematográfico. Resulta obvio que la película, por motivos obvios, no puede profundizar tanto como la literatura. Aunque me agrada saber que el intento no ha sido hecho en balde, puesto que la película es capaz de compungir, afligir e impactar de la mima manera que lo hace la novela. Un trabajo digno, no solo gracias a la labor del equipo técnico y directivo, sino al brillante reparto capitaneado por el maravilloso John Malkovich, quien da la alternativa a una novata de fenomenal talento como es Jessica Haines. Un tándem perfecto, para una historia perfecta. Éste sería mi balance final.

Más información: ficha técnica y trailer

UP, la nueva aventura de Disney se estrena en Cannes

EN CINES A PARTIR DEL 14 DE AGOSTO

De Disney-Pixar nos llega Up, una comedia sobre un vendedor de globos de 78 años, Carl Fredricksen, quien finamente consigue llevar a cabo el sueño de su vida al enganchar miles de globos a su casa y salir volando rumbo a América del Sur. Pero descubre demasiado tarde que la mayor de sus pesadillas se ha embarcado también en el viaje: un Explorador de la Jungla llamado Russell, que tiene 8 años y un optimismo a prueba de bomba. Del oscarizado director Pete Doctor (Monstruos SA), Disney Pixar nos invita a un desternillante viaje a un mundo perdido de la mano del duo menos preparado de la Tierra. UP también se estrenará en formato 3D.

Duplicity, próximo estreno

EN CINES A PARTIR DEL 20 DE MARZO

La oscarizada Julia Roberts y Clive Owen vuelven a trabajar juntos por segunda vez en DUPLICITY, escrita y dirigida por Tony Gilroy (Michael Clayton, siete nominaciones a los Oscar). Encarnan a dos espías gubernamentales reconvertidos a espías corporativos atrapados en una aventura amorosa secreta. Cuando se ven envueltos en una trama de espionaje en la que hay mucho en juego, descubren que la parte más difícil del trabajo es saber hasta qué punto se puede confiar en la persona amada.

Claire Stenwick (Julia Roberts), ex agente de la CIA, y Ray Koval (Clive Owen), ex agente del MI6, han abandonado el mundo del espionaje nacional para aprovecharse de la lucrativa guerra fría existente entre dos multinacionales rivales. ¿Su misión? Conseguir la formula para un producto que hará ganar una auténtica fortuna a la empresa que la tenga primero.

Sus jefes, el titán de la industria Howard Tully (Tom Wilkinson) y el desaprensivo consejero delegado Dick Garsik (Paul Giamatti), están dispuestos a todo. Cada vez hay más en juego, el misterio se hace más palpable y las tácticas son más sucias, pero el secreto mejor guardado es la creciente atracción que sienten Claire y Ray el uno por el otro. Mientras se esfuerzan en mantenerse un paso por delante del otro, estos dos solitarios profesionales acaban enfrentándose a algo a lo que no pueden engañar: el amor.

Revolutionary Road. Estreno 23 de enero

REVOLUTIONARY ROAD (estreno 23 de enero)
Género: Drama
Producción: EE.UU
Director: Sam Mendes
Intérpretes: Leonardo DiCaprio y Kate Winslet

Sinopsis: Adaptación de la visionaria novela de Richard Yates, REVOLUTIONARY ROAD es un incisivo retrato de un matrimonio norteamericano visto a través de los ojos de Frank (Leonardo DiCaprio) y April Wheeler (Kate Winslet). El relato que hace Yates de la Norteamérica de los años 50 plantea una pregunta que ha venido repercutiendo desde entonces sobre las relaciones modernas: ¿pueden dos personas romper con la rutina sin romper entre ellas?. Frank y April siempre se han considerado especiales, diferentes, preparados y deseando vivir sus vidas con arreglo a ideales más elevados. Así que, en cuanto se mudan a su nueva casa en Revolutionary Road, declaran altivamente su independencia respecto de la inercia suburbana que les rodea y deciden no dejarse atrapar nunca por las restricciones sociales de su época. Más información.

Belen Rueda y Eduardo Noriega juntos en El mal ajeno, de Oskar Santos. Una producción de Alejandro Amenabar

Esta semana todos los medios de comunicación anunciaban a “bombo y platillo” en sus páginas de cultura la vuelta de Belén Rueda y Eduardo Noriega a la gran pantalla, pero esta vez juntos. Lo harán bajo la dirección de Oskar Santos, el guión de Daniel Sánchez Arévalo (Azul oscuro casi negro) y una producción de lujo abalada por la profesionalidad del director  Alejando Amenábar, Fernando Bovaira y Telecinco Cinema.

El proyecto que comenzaron a rodar esta semana se titula El mal ajeno y se trata de un thriller que cuenta la historia de Diego, un médico tan acostumbrado a manejar situaciones límite que se ha inmunizado ante el dolor ajeno. El intento de suicidio de Sara, una de sus pacientes, hará que su compañero sentimental señale a Diego como responsable directo de lo ocurrido. Durante un inquietante encuentro, Diego es amenazado con una pistola. Horas después, sólo recuerda el sonido de una detonación y la extraña sensación de haber recibido algo más que un disparo.

Un guión inquietante que volverá a hacer las delicias de aquellos fans incondicionales de un thriller de sello nacional y cada vez más valorado por la crítica internacional que nos suele situar en buena posición. Un género relativamente joven pero cada vez más practicado en nuestro país, a través del cual estamos descubriendo a futuras promesas del celuloide no solo nacional sino también internacional, como es el caso de Juan Antonio Bayona con El orfanato, Jaume Balagueró con REC o en este caso Oskar Santos con El mal ajeno.

Todos ellos herederos de un estilo que en su día comenzó a practicar uno de nuestros directores más internacionales, Alejandro Amenábar. Un cineasta con un carisma y un potencial que le hizo en pocos años de trayectoria profesional situarse en la vanguardia del cine internacional como una de los directores más valorados y mejor avenidos del panorama cinematográfico. Su primer largometraje (Tesis) se hizo con la mayoría de los Goyas que ese año se repartieron, su segundo trabajo (Abre los ojos) ya triunfó a nivel internacional y fue comprado por Tom Cruise para hacer un remake al más puro estilo americano, su tercer intento (Los otros) le llevó a trabajar con estrellas internacionales de la talla de Nicole Kidman  y su último proyecto (Mar Adentro) le encumbró a lo más alto  del celuloide siendo considerado, no sólo en España, sino también en Hollywood, el mejor director de los últimos tiempos. Su próximo trabajo ya está en camino “Ágora”, una historia épica y apasionada ambientada en el Siglo IV en Egipto, y cuya producción está siendo llevada a cabo por las mismas personas que participarán en la película que hoy os anunciaba “El mal ajeno”.

Un proyecto en el que Amenábar participará junto a antiguos amigos como Belén Rueda con la que ya contó en Mar Adentro y Eduardo Noriega uno de sus actores más incondicionales con el que comenzó su andadura profesional y al que debe parte de sus primeros éxitos (Tesis y Abre los ojos). Un tándem, que junto a la dirección de Oskar Santos, la fotografía de José Inchaústegui y la música de Fernando Velásquez,  seguro se convierte en uno de los estrenos más esperados del 2009.

Critica Vicky Cristina Barcelona

Una crítica de Elsa Sardina Vejo

Por fin Vicky Cristina Barcelona ya es real. Hasta ahora  sólo era una suposición, un proyecto en mente del genuino Woody Allen y una ilusión que todos los fans españoles albergábamos. Pero desde hace unas semanas el trabajo más español de Allen ya está en nuestros cines. Seguro que muchos ya habréis visto el filme, por ello os invito a que tras mi crítica escribáis todo lo que este nuevo trabajo del director neoyorquino os ha parecido.

En primer lugar y a modo introductorio me gustaría dejar constancia de la admiración que siento por Woody Allen y su frenético ritmo de trabajo. Cada vez me impresiona más la capacidad que este director tiene para completar sus trabajos año tras año y que ello no parezca que afecte al resultado final del mismo. Es cierto que muchas veces sus obras se resienten, nunca por debajo de lo aceptable, aunque también es verdad que en la mayoría de ocasiones nos ofrece productos de calidad y comedias muy inteligentes. Vicky Cristina Barcelona no es su mejor película, pero no por ello, deja de ser una comedia que resulta entretenida y una verdadera postal de Barcelona, a través de la cual una desganada voz en off, te guía por los lugares más emblemáticos de la ciudad donde estarán sus protagonistas.

Como si de una guía auditiva se tratara, la horrorosa voz en off de Christopher Evan Welch va desgranando de manera acelerada las identidades de sus dos protagonistas femeninas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johanson), dos turistas norteamericanas dispuestas a descubrir la identidad catalana en su máximo apogeo. Dos buenas amigas, pero radicalmente distintas en personalidad, por lo menos en lo que al amor respecta. Diferencias que saltarán, sobro todo, cuando conocen al atractivísimo pintor catalán, nacido en Asturias, Juan Antonio (Javier Bardem), con el que mantendrán un lío amoroso, a pesar de que él sigue manteniendo una relación con su histriónica y alocada ex-mujer María Elena (Penélope Cruz). Siendo precisamente cuando ella entra en escena, cuando el filme cobra vida, energía y comicidad vital para el ritmo conjunto de la obra. Su encuentro  con el personaje de Javier Bardem producen las situaciones más increíbles y los enfrentamientos verbales más hilarantes de toda la cinta. Para lo que resulta imprescindible verla en versión original, puesto que doblada pierde la mitad de la gracia y la magia que alberga el guión.

Os quiero advertir que el nuevo trabajo de Allen no cuenta ni con diálogos brillantes ni con las muecas irónicas a las que tan acostumbrado nos tiene. Sino que gracias a los actores con los que cuenta y sus interpretaciones, la película adquiere una dosis de comicidad que se acentúa aún más cuando la escena la comparten nuestros interpretes más internacionales, Bardem y Cruz, los cuales escenifican con total sinceridad y autenticidad una extraña pareja que se odia y se ama con el mismo fervor.

A pesar de no ser la mejor película del genio de Brooklin, sí es cierto que para nosotros y creo que para cualquier espectador ajeno a España los encantos de Barcelona quedan perfectamente reflejados gracias a la maravillosa fotografía de Aguirresarobe. Además la sensación que te deja cuando terminas de verla es totalmente positiva, ya que estamos ante un producto entretenido, hecho con mucho gusto y exquisitez y que consigue dejar una dulce sensación en el espectador. No os la perdáis, merece la pena, aunque os aconsejaría que la vierais en versión original, doblada pierde toda su esencia.

An american crime

Una película de ayer, de hoy y de siempre, porque la TORTURA, el tema central de la cinta, es un tema de ayer, de hoy y de siempre, si no hacemos nada para evitarlo, claro. He decidido hacer la crítica de esta película porque creo que ya va siendo hora de que abramos los ojos y nos demos cuenta de que la tortura humana es una máxima en la vida de muchos conciudadanos. Da la casualidad, que cuando vi esta película, me estaba leyendo a la vez “La Impunidad Imperial” de Roberto Montoya, no sé si os suena. Es un ensayo teórico y crítico, basado en una investigación suya sobre el papel de EE.UU en la guerra de Irak y el trato que su ejército brinda a los presos de guerra. Espeluznante, la verdad, igual que la película que os propongo que veáis: An american crime.

No quiero insinuar que la tortura de hoy sea obra única y exclusiva de americanos. Si afirmara algo así os estaría mintiendo descaradamente. La tortura, muy a mi pesar, es una práctica común en múltiples partes del mundo, solo que en esta ocasión, ha coincidido que libro y película tienen como protagonistas a ciudadanos americanos. Pura casualidad, claro.

El metraje nos sitúa en un pueblo perdido de Indianápolis, en la América profunda, en los años 60. La protagonista, Gertrude Baniszewsky, viuda, enferma, con 7 hijos a sus espaldas y muy cristiana, acoge a dos niñas en su casa, poniendo en práctica la fe samaritana, aunque en este caso fue más bien interesada, que tanto predican las Iglesias cristianas. Ella necesitaba dinero urgente y los padres de las niñas se tenían que ir del pueblo por cuestiones de trabajo y no sabían con quien dejarlas. Grave error, si tenemos en cuenta que esta decisión les hizo perder a una de sus hijas de la manera más macabra que nos podamos imaginar. La protagonista de la historia es Sylvia Likens, una niña muy especial de 16 años, que despertó los más terribles odios y celos en una de las hijas de Gertrude Baniszewsky. Esta atroz envidia le llevaría a la madre, muy desequilibrada emocionalmente, a encerrarla en el sótano y acometer sobre ella vejaciones, torturas, mutilaciones y abusos sexuales de lo más variopintos.

El argumento, como podéis intuir, parece más propio de una película de terror que de un drama, que es en definitiva de lo que se trata, sino fuera porque nos encontramos ante un verdadero y auténtico crimen americano, que tuvo lugar en EE.UU y que conmocionó a gran parte de la opinión pública nacional e internacional. Bajo este horrible suceso podemos ver, y en la película queda perfectamente reflejado, la represión sexual, las enseñanzas interiorizadas a base de palos y humillaciones, la imposición férrea de las ideas cristianas travestidas en preceptos fundamentalistas y sobretodo, la sinrazón del ser humano cuando la violencia se apodera de él, y ya no puede parar.

Con respecto a la parte menos controvertida de la película, es decir, la técnica, me gustaría señalar el impecable trabajo llevado a cabo por el director, Tommy O’Haver, muy alabo en EE.UU por llevar a la gran pantalla esta historia con tanto respeto y sin abusar en demasía del sensacionalismo al que nos suele tener acostumbrados los norteamericanos. Y las actrices principales del filme: Catherine Keener como Gertrude Baniszewsky y de Ellen Page como Sylvia. Es una película muy bien ambientada, con una fotografía impecable y un vestuario y maquillaje perfectamente empleados, que hacen de todos los personajes verdaderos habitantes de la América más profunda en los años 60.

Para concluir, y a modo de moraleja, me gustaría señalar que este hecho, es para todos, una muestra más de todo lo que es capaz de hacer el hombre cuando se apoderan de él sentimientos tan negativos como la  envidia, el odio y la maldad propia no solo de sociedades ignorantes, subdesarrolladas y desestructuradas, sino como podemos ver diariamente, también de sociedades tan civilizadas y democráticas como las nuestras. Terrible.