Star Wars quiere volver a sus orígenes

Después de 30 años desde el comienzo de la saga, Star Wars volverá a las salas de cine. El rodaje comenzará en mayo y finalizará en septiembre. Estará producida por LucasFilm y será dirigida por J.J Abrams, director de las últimas películas de’ Star Trek’ y de la mítica serie ‘Lost’. Se volverá a rodar en Reino Unido y mezclará efectos audiovisuales analógicos y digitales. El guión será redactado por Lawrence Kasdan, quién ya compuso el del ‘Imperio Contraataca’. Por último, Dan Mindel será el director de fotografía; conocido por sus trabajos en ‘Star Trek’ y ‘Misión Imposible 3’.

Todos ellos trabajarán bajo la batuta de J.J Abrams que pretende volver a la esencia de la primera entrega que creó George Lucas. Star Wars abandonará el estilo de las últimas películas con escenarios urbanos y multitudinarios. Los protagonistas volverán al desierto, para recuperar el género que un día los críticos valoraron como western en el espacio.

El casting de los actores está cerrado, aunque las últimas noticias auguran que J.J Abrams quiere a Lupita      Nyong’o, ganadora del Oscar 2014 a la mejor actriz de reparto por ’12 de esclavitud’.  La actriz del momento podría encarnar a una descendiente de Obi-Wan Kenobi. Pero lo cierto, es que son todo rumores, porque la trama aún no está ni pensada. Se sigue debatiendo el tema del film, aunque Abrams quiere centrar la historia en los protagonistas tradicionales de la saga. Será un spin-off pero sin cruce entre las trilogías. Según el director Abrams, George Lucas ha marcado una buena hoja de rutas.

Además Carrie Fisher (la Princesa Leia) ya ha confirmado su presencia en la entrega junto a Harrison Ford (Han Solo) y Mark Hamill (Luke); y estarán acompañados por el mítico robot R2-D2. Todos ellos brillarán bajo la banda sonora del compositor John Williams.

La esencia de Star Wars vuelve en estado puro para volver a conectar a todos los fans de la saga a través de esta nueva parte, que por el momento, tiene muy buena pinta. Aunque habrá que esperar hasta diciembre de 2015 para ver la pelicula y matar al fin nuestra curiosidad.

Recibe la primavera con el Festival de Cine de Málaga

Málaga engalana sus calles para recibir las películas que serán protagonista de la 17 Edición de Festival de Cine de la ciudad andaluza. El pasado martes, 11 de marzo, se reunió en el Fnac de Callao de Madrid el Concejal de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento malagueño, Damián Caneda; y el Director del Festival, Juan Antonio Vigar para presentar este importante evento. Junto a ellos estuvo presente uno de los Miembros del Comité de Selección, Fernando Méndez-Leite; así como varios participantes y candidatos que compiten por la Bazinga de Oro, rostros tan conocidos como: Paco León nominado a mejor director por Carmina y Amén, o Jorge Torregrossa que opta al mismo galardón por su película La Vida Inesperada.

El Festival tendrá lugar del día 21 al 29 de marzo, tiempo en el que se proyectarán  129 largometrajes, 832 cortometrajes y 439 documentales entre todas las secciones. El primer film que verá la luz será No llores vuela de Claudia Llosa, producida con la participación deTVE. Paco León vuelve a optar al mayor galardón por Carmina y Amén, la segunda parte Carmina y revienta, una parodia familiar que arraso hace dos años en su debut.

Otra de las favoritas a la Bazinga de oro es La Vida Inesperada con guion de Elvira Lindo y dirección de Jorge Torregrosa. Interpretada por el ganador al Goya al mejor actor, Javier Cámara, y por Raúl Arévalo. Ambos darán vida a dos primos que se encuentran en Nueva York y que harán disfrutar al público con esta comida tan atípica.

Pese al momento tan difícil por el que está pasando el cine de nuestro país, el director del Festival, Juan Antonio Vigar declaraba en la rueda de prensa “que el cine español busca renacer […] La creatividad está impulsando el sector. Málaga quiere ser la foto fija del cine español”. Aunque la crisis este presente y haga mella en este festival, el Miembro del Comité de Selección, Fernández Méndez-Leite, comentaba en Fnac: ““El nivel económico e industrial es bajo. La crisis ha afectado mucho: son películas de pocos personajes y pocos escenarios. Hemos seleccionado las más interesantes, ambiciosas e inteligentes” Pero, sin embargo, hay atisbos de claridad y el Festival comienza a internacionalizarse gracias a la participación de dos películas en extranjeras 10.000 Km y Una noche en el viejo México.

Así que cinéfilos, preparad la llegada de la primavera por todo lo alto con el Festival de Cine de Málaga.

Estreno Hoy 1 de Junio, Blancanieves y la leyenda del cazador

Nueva versión libre del famoso cuento infantil de los hermanos Grimm, «Blancanieves» tras varias adaptaciones para la gran pantalla, entre las que destacan «Blancanieves y los siete enanitos» (1937) de Walt Disney y la más reciente «Blancanieves (Mirror, mirror)» de Tarsem Singh (2012) con Julia Roberts como madrastra. En esta subsiguiente revisión del clásico cuento de hadas, que es «Blancanieves y la leyenda del cazador«, nos encontramos con bastantes modificaciones de la historia original, con una Blancanieves, más guerrera, que se prepara para conducir a un ejército de rebeldes y así expulsar del trono del reino a su malvada madrastra, una asesina en potencia, que a causa de los celos, va eliminando a todas las muchachas hermosas de la comarca que puedan discutir su innegable belleza. El trío de guionistas formado por Evan Daugherty, John Lee Hanco y Hossein Amini se unen para modelar esta historia junto al realizador debutante Rupert Sanders, en la que es la primera entrega de una trilogía que promete hacer disfrutar a todos los amantes del género. Tanto los libros infantiles, como las películas son un recurso muy útil para la educación de los niños, tanto en casa como en las escuelas. Si quieres formarte y aprender a tratar con los niños, puedes ampliar tu información en este directorio.

Blancanieves es la única mujer que supera en belleza a la malvada reina, decidida a destruirla a toda costa. Pero la pérfida soberana ignora que un cazador, cuya misión era matarla, ha enseñado a la joven a defenderse. Y un príncipe se verá hechizado por la belleza y el poder de Blancanieves.

«Espejito, espejito»…así comienza la madrastra de Blancanieves a preguntar a su encantado espejo y obteniendo siempre la satisfactoria respuesta: que es la mujer más hermosa del reino..hasta que llega el día en el que le contesta que es su hijastra quien le gana en belleza.

Kristen Stewart, la famosa actriz, gracias a la saga crepuscuo, se  encarna a la única mujer que supera en belleza a la malvada reina Ravenna, quien hará todo lo posible por seguir siendo la más bella del reino.

Se profana el cuento enteramente a la bola el director, cogiendo el esqueleto para hacer cine para el público de ahora, con una Blancanieves guerrera, que huye de una conspiración para sumergirse en otra, que alienta la rebelión para recuperar el trono que traicioneramente le arrebataron, y que no tiene tiempo, ni lo quiere, para cantarle dulcemente a los pajaritos y a las mariposas mientras contempla extasiada las bondades naturales del bosque.

NO TE LA PIERDAS!

El actor de Harry Potter protagoniza La Mujer de Negro

La Mujer de Negro/ The Woman in Black.

Una película de misterio y de terror protagonizada por el famoso actor  Daniel Racliffe muy conocido por todos gracias a la saga de Harry Potter.

Daniel Racliffe es un gran profesional, gracias a la gran formación de cursos de cine que hizo desde muy pequeño. Todo esto le ha servido a lo largo de su carrera profesional como actor. También es un gran aficionado a los cursos de videojuegos.

La Mujer de Negro, nos cuenta la historia de un gran abogado de Lóndres, Arthur Kipps (Daniel Racliffe)  que viaja a un pueblo alejado de su ciudad, Crythin Gifford para encargarse de algunos asuntos pendientes del propietario de una gran mansión, que ha fallecido recientemente.

Numerosos secretos aumentan la inquietud de este abogado, que se adentra en una peligrosa y escalofriante historia de terror al ver a una mujer vestida de negro.

Una película con una calidad de imagen y sonido ejemplar que hacen que cada segundo de película estés más pegado a tu sillón.  Aprende sobre este tema gracias a cursos de imagen a muy buen precio.

¡¡Si quieres disfrutar de un buen cine de terror no te la pierdas!!

Carmen Maura, 30 años de imparable carrera

Cuatro Premios Goya, seis Fotogramas de Plata, dos Premios Félix y una Concha de Plata engrosan la larga lista de galardones que Carmen Maura ha recibido a lo largo de estas tres décadas de fructífera carrera. Desde ayer, ya podemos sumar otro a su cesta de los triunfos, en esta ocasión, uno de los más prestigiosos en nuestro país: la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España “por su contribución a la mejora del cine español”. La actriz, que afirma sentirse “en estado de shock”, no se lo cree; nosotros, sin embargo, sí. Su filmografía lo avala y su historia curricular grita a los cuatro vientos que esta madrileña es una luchadora y una enamorada del séptimo arte, dos reglas básicas para convertirse en lo que actualmente es: UNA DE LAS MEJORES ACTRICES DEL CINE ESPAÑOL.

Nada parecía presagiar que su futuro adquiriera estos derroteros. Bisnieta de los condes de Fuente Nueva de Arenzana, comenzó sus estudios  de Filosofía y Letras y Bellas Artes en París. Comenzó a trabajar en el teatro universitario como aficionada hasta el momento en el que el crítico teatral  Alfredo Marquerie  la vio en una obra y le aconsejó dedicarse por entero a sus dotes como actriz. A partir de este momento, Carmen fue consciente de lo que deseaba que su camino adquiriera tintes artísticos. Tuvo muchísimos problemas personales, pero eso no le impidió alcanzar su sueño. Salió adelante y comenzó a trabajar.

Los comienzos nadie dijo que fueran fáciles. La carrera de Carmen, como la de otros muchos, arrancó actuando en cafés-teatro, pequeños espacios televisivos y en compañías independientes de poca resonancia. Las ofertas que al principio recibía no eran gran cosa y las primeras películas en las que participó en los años setenta no tuvieron excesiva repercusión. Su  suerte cambió cuando logró un puesto en la compañía Los goliardos, ya con cierto prestigio en la capital madrileña. Este ingreso le permitió comenzar a relacionarse con artistas cercanos a la comedia urbana de la época y a la movida madrileña como el cineasta Fernando Colomo, con el que realizaría sus dos primeros papeles protagonistas en cine: Tigres de papel o ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?.

Su incursión en Los goliardos le permitiría conocer un tiempo más tarde, al por entonces aún aficionado, Pedro Almodóvar, un joven metido en la movida madrileña que trabajaba en Telefónica para realizar sus primeros pasos en el mundo del Súper 8. La especial química que surgió entre ambos les llevó a trabajar juntos en infinidad de cortometrajes, mediometrajes y pequeñas colaboraciones de poca índole como Folle, folle, folleme Tim. Hasta que por fin Carmen, con la ayuda de Félix Rotaeta, consigue financiar el primer largometraje del manchego: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del monton. Su rodaje duró más de un año por las dificultades técnicas y económicas, pero finalmente se pudo estrenar en salas comerciales y fue un verdadero éxito.

Su próximo encuentro con Almodóvar no se produciría hasta los años 80. Cuando el manchego volvió a confiar en Carmen para sus películas: Entre tinieblas y ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, obra en la que la actriz pudo realizar una de sus interpretaciones más logradas en el cine y gracias a la cual, Carmen y Pedro se convirtieron por excelencia en la pareja director-actriz más prolifera del cine español. Esta buena sintonía les llevaría a trabajar juntos en tres ocasiones más: Matador, La Ley del deseo y Mujeres al borde de un ataque de nervios, un verdadero éxito de crítica y taquilla, no solo en España sino que también en el extranjero, llegando incluso a ser candidata al Oscar de la academia de Hollywood como mejor película de habla no inglesa. La película dio la vuelta al mundo ganando premios allá por donde iba y las carreras cinematográficas de sus actores se vieron lanzadas al éxito rotundo.

Por razones aún desconocidas, la relación entre el manchego y la madrileña se enfrió hasta límites insospechados. La actriz continuó fraguándose una carrera, aunque esta vez sin su verdadero talismán, Pedro Almodóvar. Las cosas no le fueron del todo mal. Consiguió buenos papeles en película dirigidas por cineastas de éxito como Pilar Miró, Rafael Monleón, José Luis Borau y Carlos Saura, quien le dio la oportunidad de obtener el segundo éxito importante de su carrera: ¡Ay, Carmela!, con la que volvería a lograr el Goya y el Premio de Cine Europeo, y le permitiría hacerse un hueco en el extranjero, sobretodo en Francia, donde empezó a actuar con asiduidad y cosechó sus principales éxitos, hasta el punto de merecer el título de Caballero de Honor de las Artes y las Letras. Durante la década de los noventa, compaginó su trabajo en cine con la vuelta a los escenarios de los teatros más importantes de España, así como su incursión en series de ficción televisadas.

El inicio de siglo no podía haber sido mejor para su carrera cinematográfica. Álex de la Iglesia contó con ella para uno de sus proyectos más ambiciosos: La Comunidad, con la cual obtendría su tercer Goya, además de la Concha de Plata a la mejor actriz en San Sebastián y el Premio de la Unión de actores. Durante estos años no ha parado de triunfar. Y lo cierto es que actualmente vive uno de los momentos más dulces de su carrera. Después de protagonizar en 2006 uno de los encuentros más esperados del cine español (el de Almodóvar y ella en Volver), fue convocada por Coppola para participar en el proyecto que recientemente acaba de estrenar: Tetro. ¡Todo un honor!, ha reiterado ella en sucesivas ocasiones.

A todo este cúmulo de éxitos se une desde ayer uno de los más gratificantes de toda su carrera: obtiene la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, un mérito del que solo los mejores han podido disfrutar: Vicente Casanova, Fernando Rey, Carlos Saura, Francisco Rabal, Alfredo Matas, Ana Belén, Sara Montiel, Elías Querejeta, Gil Parrondo, José Luis Borau, Fernando Fernán Gómez, Carmelo Bernaola, Concha Velasco, Antonio Banderas, Basilio Martín Patino, Geraldine Chaplin, Pablo Núñez y Maribel Verdú.

Alejandro Amenábar, un soplo de aire fresco para el cine español

Su ímpetu por traspasar fronteras, su más que conocida vocación por hacer proyectos arriesgados y diferentes y su espíritu joven y evocador han hecho de este joven cineasta uno de los directores más alabados y mejor criticados del panorama internacional. Éste es ALEJANDRO AMENÁBAR: una de nuestras mentes más maravillosas, uno de nuestros genios más destacados y el primer realizador español que consigue alejarse de los trasnochados cánones establecidos en nuestro país y plantear un cine original, inteligente y de gran aceptación entre el público.

Mitad chileno, mitad español, Alejandro Amenábar es junto a Pedro Almodóvar nuestro director de cine más internacional. Nace en 1972 en Santiago de Chile. Cuando sólo contaba con un año de vida no le queda más remedio que huir junto a su familia de su país natal debido al convulso ambiente político que se vivía por aquel entonces: cae el gobierno de Salvador Allende y en su lugar se instaura una de las dictaduras más sanguinarias de América Latina, la capitaneada por Augusto Pinochet.

Su pasión, además del cine, es la música. Desde niño ha entendido que las imágenes que veía en la pantalla  eran indisolubles de la música de fondo. Fan declarado de películas como E.T el Extraterrestre y 2001: Odisea en el espacio, siempre fue consciente de las inquietudes que asolaban su mente y ocupaban su imaginación: el cine y la música. Su gran afición a las bandas sonoras le orientó más tarde a la composición musical y a la convicción de que, si no fuera director de cine, sería músico. Sus logros como director de cine todos los conocemos, como músico nos cuesta más identificarlos: Amenábar es compositor no sólo de las bandas sonoras de sus películas, sino también de Nadie Conoce a Nadie de Mateo Gil y La Lengua de las mariposas de José Luis Cuerda.

Parece mentira que un chico tan brillante como él no fuera capaz de acabar sus estudios universitarios. Matriculado en la Universidad Complutense en la rama de Imagen abandonó el barco a pocas asignaturas de licenciarse. Un suspenso en realización le hizo replantearse que lo que él realmente quería hacer no podía enseñárselo nadie en la universidad. Su decisión fue tajante: abandonó las clases para dedicarse en cuerpo y alma a la realización de los cortometrajes que por entonces ya tenía en mente. Y por lo que hemos podido comprobar, no le ha ido nada mal…

Comenzó siendo no sólo realizador de sus cortos, sino también guionista, protagonista, compositor y montador. Entres sus primeros trabajos destacamos: La cabeza (1991), primer premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs (AICA) e Himenóptero, cuya proyección en el Festival de Elche despertó los elegios de dos grandes directores de cine, Bigas Lunas y José Luis Cuerda, quien a partir de entonces ejerció de mecenas del joven realizador.

Bajo la supervisión y la financiación del maestro Cuerda, Amenábar rodaría sus siguientes proyectos: en primer lugar Luna (1995), su primer proyecto filmado en 35 milímetros, y en segundo lugar su primer largometraje, Tesis, su gran obra maestra y la primera de una fructífera carrera. Protagonizada por una apenas conocida Ana Torrent y dos completos desconocidos, Eduardo Noriega y Fele Martínez, Tesis se convierte en 1996 en la película más famosa del año, con un público cercano al millón de espectadores. A ello contribuye el apoyo incondicional de la academia de cine española que le concede 7 de los 8 Goyas a los que estaba nominada, entre los que destaca el de mejor película y el de mejor dirección novel.

De ambición a más ambición

Tras este éxito llegarían otros. En 1997, Amenábar y Cuerda se unen en un nuevo proyecto: Abre lo ojos, un filme de presupuesto mucho más holgado y mayor ambición que el anterior, aunque de tratamiento más cercano a la ciencia-ficción que al thriller psicológico. Tal fue el éxito de esta segunda propuesta, que hasta el actor y productor Tom Cruise se quedó fascinado tras su visionado. El actor compró los derechos para producir y protagonizar un remake que encargó al director Cameron Crowe, titulado Vanilla Sky, y compartió protagonista con el original: Penélope Cruz.

En 2001 llega otra nueva propuesta, no menos ambiciosa que la anterior: Los otros. Protagonizada por la australiana Nicole Kidman, formada de un equipo español y rodada en inglés en una mansión cántabra que figura situarse en la isla de Jersey, fue el primer caso en la industria española de una coproducción de estas características. Americana para unos y españolas para otros, Los otros consigue récord de recaudación en taquilla a uno y a otro lado del charco.

Un giro sorprendente

Tras ser definido como un magnífico realizador de thrillers y películas de una gran carga psicológica, Amenábar nos sorprende a todos los que creíamos conocerle con una producción muy alejada de los cánones de los que hasta el momento nos tenía acostumbrados: Mar Adentro. Un filme que narra la vida de Ramón Sanpedro, el tetrapléjico gallego que puso fin a su vida, con ayuda de algunas personas cercanas, en 1998 tras pasar postrado en una cama más de treinta años de su vida.

La película, de gran intensidad emocional, reabrió el controvertido tema de la eutanasia en nuestro país. Gracias no sólo a su realización, sino también a las magistrales interpretaciones de Javier Bardem y Belén Rueda, la cinta consiguió grandes premios: Premio Especial del Jurado de la Mostra de Venecia, Premios del Cine Europeo, un Globo de Oro, un Oscar y varios Goya.

De Galicia a Roma

Si la historia ambientada en Galicia os sorprendió, no me quiero imaginar lo que ha supuesto para vosotros su nuevo proyecto: Ágora, su producción más ambiciosa hasta el momento. Alejado del thriller psicológico (Tesis, Abre los ojos, Los otros) y de los temas de interés humano (Mar Adentro), el madrileño nos acerca con su nuevo proyecto a la Edad Antigua. Una historia épica sobre las andanzas de Hipatia, la primera científica y filósofa de Occidente, constituye la base argumental de Ágora, cuyo presupuesto rondó los 50 millones de euros.

Consciente de que aún se conocen pocos detalles sobre el filme, me atrevo a predecir que esta producción tiene la papeleta ganadora para convertirse en la favorita de 2009. A los cines españoles no tiene previsto llegar hasta septiembre, aunque los más afortunados ya podrán disfrutar de ella en Cannes, puesto que competirá en Sección Oficial, aunque fuera de concurso.

A aquellos que aún no conocíais a este tímido y controvertido realizador patrio os animo a que organicéis un maratón intensivo donde podáis poneros al día de su filmografía y así llegar a septiembre con la lección bien aprendida. Imagino que seáis pocos, así que al resto: PACIENCIA, ya queda menos para disfrutar del nuevo proyecto de este magnífico madrileño. QueAlucine, por el momento, le dedica este mes cinematográfico a este genio, embajador internacional de nuestro cine y perfecto conocedor de la máquina cinematográfica.

Gracias por tu talento AMENÁBAR…

Almodóvar y su abrazo roto

El cine español resurge de una transitoria agonía. Hace aproximadamente dos años que nuestro arte cinematográfico gime, solloza y se compadece de cada uno de los estrenos de nacionalidad española que han llegado a las pantallas de este país. A ver si al final va a tener razón Almodóvar y resulta que “ser director de cine en España es como ser torero en Japón”, una hazaña popular digna de alabanza y vítores que pocos, muy pocos han conseguido realizar correctamente en este país.

Os presento al personaje del mes…

2009 podría ser el año del resurgir artístico del celuloide producido y dirigido por españoles, o por lo menos así lo auguran los próximos estrenos: Ágora de Alejandro Amenábar,  Mapa de los sonidos de Tokio de Isabel Coixet y El baile de la victoria de Fernando Trueba. La nueva cartelera española, renovada y oxigenada, quedará inaugurada el próximo 18 de marzo con el estreno mundial de Los abrazos rotos de Pedro Almodóvar. Una magnífica oportunidad para disfrutar del inusual y genuino cine del que es, sin duda, nuestro director más internacional.

Después de varios días de acalorados enfrentamientos con mi propia conciencia, decidí que el personaje del mes no podía ser otro que el director manchego. Pese a ser consciente de la importancia que tuvo para el cine español la victoria de Penélope Cruz en la última edición de los Oscar, he creído conveniente rendir homenaje al español que hasta ahora, junto con Buñuel, más méritos cinematográficos ha reunido y mayor reconocimiento nacional e internacional ha obtenido: dos Oscars, 6 Goyas, 3 César,  4 BAFTA, la Orden de Caballero de la Legión de Honor francesa, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Natural de Calzada de Calatrava (Cuidad Real) e hijo de un enólogo, Pedro Almodóvar se interesó por el séptimo arte desde pequeño. Inmerso en una alocada y frenética rutina adolescente decidió trasladarse a Madrid junto a su hermano Agustín, compañero de hazañas hasta el momento, con la única intención de cumplir sus sueños: dedicarse a contar historias, sus historias.

Durante años trabajó en diferentes empleos (Telefónica) y ahorró dinero suficiente para comprarse una cámara de súper ocho: “con ella empecé a rodar mis primeros cortos, que me sirvieron de aprendizaje como cineasta”, ha declarado Almodóvar en infinidad de ocasiones. Por aquella época las inquietudes artísticas que albergaba en su seno más íntimo eran muchas y dispares. Durante años compaginó sus inicios en el cine con otras actividades artísticas: escritor (guiones de cómic), actor teatral (formó parte del grupo Los Goliardos) y músico (creó un grupo de punk-glam-rock junto a McNamara). Escribió incluso una fotonovela, que más tarde le serviría como base para su primer largometraje: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón. No contaba con abundante presupuesto y sus medios técnicos eran limitados. Dio igual, su fuerza residía en otros aspectos más importantes: en la originalidad y el pulso que el director echó al cine de la época, convirtiendo al filme en “película de culto”.

Poco tiempo después llegarían importantes títulos en su filmografía: Laberinto de pasiones, con la que consiguió convertirse en un referente del cine español. Matador, con la que empezó a darse a conocer en el extranjero. Y Mujeres al borde de un ataque de nervios, la que le otorgó la fama definitiva y con la que obtuvo su primera nominación a los Oscar, en la categoría de mejor películas extranjera.

Su carrera profesional acababa de despegar. Los resultados obtenidos hasta el momento fueron inmejorables. Poco a poco se fue convirtiendo en una de las figuras más admiradas del cine español y sus siguientes trabajos, Átame y Tacones Lejanos,  obtendrían una excelente acogida por parte del público.

Mientras moldeaba su cine, elaboraba su elixir y probaba suerte en diferentes géneros y estilos, fueron surgiendo otros títulos de sobresalientes resultados: Entre tinieblas, ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, La Ley del deseo y Kika.

Aunque el culmen de su carrera aún estaba por llevar. Almodóvar logra escribir el punto y aparte de su trayectoria profesional en 1999. Hasta el momento todo eran éxitos nacionales, dibujos cinematográficos originales e historias castizas que parecían solo hacer gracias a los españolitos. Con Todo sobre mi madre algo cambió en el cine español y en la imagen que éste había proyectado hasta el momento en el exterior. Pese a no ser el primer español en recibir un Oscar, sí que fue el primero al que la Academia de cine de Hollywood se rindió descaradamente. Una sensación que quedaría confirmada un año después con su nominación a los Oscar en categorías hasta el momento reservadas para americanos: mejor director y mejor guión original (que finalmente obtendría) gracias a otras de sus películas más alabadas a nivel internacional, Hable con ella.

Con su último trabajo, Los abrazos rotos, espera y esperamos vuelva a sorprender y a confirmar su calidad cinematográfica, su ingenio como guionista y su talento para dirigir actores. La niña de sus ojos (Penélope Cruz) protagoniza nuevamente su película, como ya hizo en Volver, su anterior filme, con el que no consiguió nominación al Oscar, pero que sin embargo, le valdría el reconocimiento de la academia de cine español, que no dudó en concederle los galardones en las categorías más importantes: Mejor película, Mejor director, Mejor actriz (Penélope Cruz) y Mejor actriz de reparto (Carmen Maura).

Claude Berri, un triste adios al último “sultán” del cine francés

“El cine francés llora. Se ha quedado huérfano…HUÉRFANO DE MAESTRO”

12 de enero. Todas las cadenas de televisión, radios y periódicos internacionales se hacían eco de una triste noticia: “Muere Claude Berri”, gurú de la  producción cinematográfica gala y uno de los mejores profesionales con los que el cine francés contaba. Una apoplejía acababa con 50 años de impecable historia profesional. ¡Qué Alucine! le admira, le admiraba, y sólo por lo que este actor, director y productor ha ofrecido en términos cinematográficos al arte universal, le brinda un más que merecido homenaje: un paseo por su vida, un digno reconocimiento y un emotivo recordatorio. Os presentamos al personaje del mes.

 

Claude Langmann (su verdadero nombre) nació el 1 de julio de 1934 en París. Antes de interesarse por el teatro, Berri trabajó brevemente en la peletería, como su padre Hirsh Langmann. Frustrado por su posible futuro -heredar el negocio de su progenitor- decide apostar por lo que realmente siente. Cambia su nombre –derivado del nombre de soltera de su madre- y se convierte en estudiante de cine y en actor. Tras pasar unos meses en la Cours Simon, reputada escuela de actores,  descubre su lugar en la vida y comienza a practicar lo que para él es el arte más bonito que existe: el CINE.

Consiguió participar, como actor, en más de 30 películas. Directores como Claude Chabrol y Claude Autant-Lara contaron con él para algunos de sus principales papeles. Pero Berri, muy exigente consigo mismo, se dio cuenta de que su vida no estaba delante de las cámaras. Harto de que no le confiaran mejores papeles abandona la escena y coge al cine por la cámara. Ahora era él el que decidía lo que se contaba. Aquí comienza su verdadera carrera.

En 1962 rueda Pollo, su primer cortometraje, y con él obtiene un Oscar. El reconocimiento que obtiene con este trabajo supone el pistoletazo de salida a una carrera llena de éxitos. Primero como director –veinte títulos componen su carrera-, y más adelante como productor.

Sus guiones siempre se caracterizaron por un importante componente autobiográfico. Y muestra de ello es su primer largometraje, Amor en tiempos de guerra una historia semiautobiográfica sobre su propia infancia como judío durante la ocupación nazi. En su haber como director también destacan verdaderos éxitos de crítica y taquilla; dos claros ejemplo son Adiós Pelele de 1983 y la saga Jean de Florete de 1986. Aunque no me gustaría olvidarme de Germinal, protagonizada por Gérard Depardieu, convirtiéndose en su momento, en la mayor producción del cine francés.

En 1987 crea su propia compañía productora: Renn Productions. Una importante decisión que le permitiría comenzar a desarrollar una faceta de él desconocida hasta el momento, la de productor. Entre sus éxitos destacaron Tess de Roman Polanski; La reina Margot, de Patrice Chéreau y La pequeña ladrona de Claude Miller . Sus éxitos más recientes fueron en 2008: Le graine et le moulet del franco-tunecino Abdellatif Kechiche, que obtuvo el César a la mejor película y Bienvenidos al Norte de Dany Boon, el filme con más audiencia en Francia con más de 20 millones de espectadores.

La vida de Claude Berri, por desgracia, no fue fácil. Pese a ser considerado el “último sultán” del cine francés y el “gran embajador del séptimo arte galo a través del mundo” su trayectoria personal no brilla de la misma manera. Un aspecto que durante mucho tiempo no le permitió ser feliz. Sus desgracias familiares me recuerdan en cierta manera a las de su gran amigo Roman Polanski. En 1997 su primera esposa se suicida y en 2002 muere uno de sus hijos, el también actor Julien Rassam, que había quedado tetrapléjico cuatro años antes. Una cadena de desgracias que no le permitirán disfrutar de sus últimos años de vida, siempre condenado a la depresión y a diversos achaques de salud, como el vivido en 2006, similar al que finalmente le costó la vida el pasado mes.

Aún así, y como muy bien dijo el presidente francés “es un hombre que dejará permanentemente su huella artística. Para muchos, seguirá siendo un modelo a seguir”. Sin duda alguna, para nosotros lo es y lo seguirá siendo.

Adiós Claude Berri…

Roman Polanski, una vida de cine

El célebre Roman Polanski, director, guionista y actor polaco, es conocido internacionalmente no sólo por su filmografía, cargada de perturbadores dramas psicológicos, sino también por su intensa historia personal. El drama vivido por este director supera con creces ese tópico muchas veces mencionado por expertos cinematográficos y analistas sociales de que “la realidad supera la ficción”. Siendo conscientes de la exquisita calidad, originalidad y dramatismo que desprenden muchos de sus guiones, nada es comparable a la historia que a este polaco le ha tocado vivir.

De ancestros parcialmente judíos, experimentó en carne propia los males de la Segunda Guerra Mundial ya que poco antes de dar comienzo el conflicto se mudó con sus padres de París a Cracovia, Polonia, creyendo que allí estarían más seguros. Grave error, ya que fue allí precisamente donde sufrieron los peores horrores de la ocupación nazi. Durante la guerra pierde a su madre -católica quien fuera clasificada «racialmente» como judía por parte de padre- en los campos de concentración. Podríamos decir que el mudarse a Polonia se convertiría en la primera, de muchas, desgracias de su vida.

Después de la guerra, siendo muy joven, ya empezó a interesarse por el mundo del cine. Cursó estudios en la Escuela de Cine de Łódź. Su primer cortometraje es a la temprana edad de 21 años: Rower (1955). A continuación le siguieron títulos como Rozbijemy zabaw (1957), Usmiech zebiczny (1957), Dwaj ludzie z szafa (1958) (conocida en castellano como Dos hombres y un armario), Lampa (1959) y Gdy spadaja aniol (1959) (Ángeles caídos en España).

El éxito le llegó con su primer largometraje: El cuchillo en el agua (1962), con el que consiguió una nominación a la mejor película extranjera en los Óscar de 1963. La película ya mostraba algunas de las características de sus siguientes producciones, como su gusto por los ambientes claustrofóbicos, al colocar a tan sólo tres personajes (una pareja y un desconocido) que navegan en un pequeño barco.

Antes de dar el salto definitivo a los Estados Unidos pasó una importante etapa en Reino Unido donde produciría títulos tan conocidos como: Callejón sin salida (1966) con la que obtuvo el Oso de Oro en el festival de Berlín, así como muchos otros premios. Y que además le supondría su ansiado pasaporte a la meca del cine.

En 1967 Polanski llegó a Hollywood con el rodaje de El baile de los vampiros, primer filme que rueda en color. Este film, una parodia de las películas de vampiros de la época, le permitió mostrar sus dotes interpretativas y lo consagró en el mercado norteamericano. Esta película no sólo le convirtió en un director conocido sino que le permitió conocer a la que fue la mujer de su vida, la bellísima actriz Sharon Tate, con la que se casó.

En párrafos anteriores os dije que su drama personal comienza con la mudanza de su familia a Polonia, cuando él era pequeño. Lugar donde le tocaría vivir uno de sus mayores golpes, el asesinato de su madre a manos de los nazis. Si este fue el primer revés que recibió de la vida, el segundo tendría lugar en 1969, cuando su mujer y cuatro de sus mejores amigos fueron brutalmente asesinados por la Familia Manson en su casa, cuando él se encontraba en Londres.

Tras un período de depresión que intentó olvidar a base de una vida sexual desenfrenada, regresó al cine en 1971 con Macbeth, en una personal adaptación de la obra de William Shakespeare. La película fue el primer fracaso comercial de Polański, aunque en Inglaterra funcionó bien. Destaca en la película la matanza realizada por el protagonista sobre los escoltas del Rey que hace alusión a los asesinatos de su esposa y amigos.

Aunque sus dramas personales no cesaron con este brutal episodio. En 1977 Polański, de nuevo en EE.UU, fue acusado de haber mantenido relaciones sexuales con una joven de trece años. El suceso ocurrió debido a que Polanski era el encargado de realizar unas fotos a la joven para una revista. Durante la realización de éstas ambos se encontraban en casa de Jack Nicholson, que por aquel entonces era pareja de Anjelica Houston, en un jacuzzi con alcohol y drogas. La niña, que por aquel entonces tenía 13 años, lo acusó de violación, sodomía y de haberla drogado.

Previendo una condena mayor, abandonó el país mientras estaba en libertad bajo fianza y tras haber pasado unos meses en prisión en Chino. Nunca ha vuelto a pisar suelo estadounidense, aunque sus películas siguen siendo aplaudidas, como demuestra el Oscar que recibió al mejor director por El pianista, en 2002.

Hoy el caso vuelve a la primera plana de los periódicos internacionales. El director de 75 años, fugitivo de la justicia estadounidense desde hace más de tres décadas, no cree en la imparcialidad del sistema judicial de Los Ángeles. Sus abogados han solicitado que el juicio pendiente contra él en esta jurisdicción se traslade a otra ciudad, puesto que afirman que en Los Ángeles, el director nunca podrá tener un juicio justo. Para justificarlo se apoyan en las revelaciones hechas públicas en el documental Roman Polanski: wanted and desired, donde un fiscal hoy retirado explica abiertamente cómo hace tres décadas trató de convencer a Laurence J. Rittenband, el juez encargado de aquel caso, de que Polanksi era, básicamente, un pervertido.

El próximo día 21, la solicitud de Polanski, se debatirá en los tribunales. Os mantendré informados, aunque mucho me temo que el culebrón parece aún muy lejos de concluir.

Clint Eastwood, una leyenda viva

Un mito, una leyenda cinematográfica. Su carrera abarca más de 4 décadas y a lo largo de ella ha conmovido a generaciones enteras de exigentes cinéfilos. Actor, director, productor, guionista y compositor son todas las facetas en las que el polifacético Eastwood ha destacado, convirtiéndose así en uno de los artistas más versátiles del séptimo arte. A sus 78 años aún se encuentra al pie del cañón y no tiene intención de jubilarse “hasta que alguien piense que debo hacerlo”, explicó hace unos meses a la prestigiosa revista The Daily Telegraph. Con tres proyectos a punto de ver la luz (El Intercambio, Gran Torino y The Human Factor), ¡QUÉ ALUCINE! eleva al veterano actor y director a la categoría de personaje del mes, una excusa perfecta para hacer un recorrido por su vida, destacar las claves de su éxito y rememorar algunos de sus proyectos más ambiciosos. En definitiva, un modesto homenaje a Clint Eastwood, uno de los directores y actores más prestigiosos del panorama cinematográfico internacional. Bienvenido a un paseo por la historia del cine…

Clint Eastwood Jr. nació en San Francisco y se crió en Oakland, después de ir de una ciudad a otra con su padre en busca de trabajo durante la Gran Depresión. Una experiencia, que más tarde el propio actor definiría, como necesaria e imprescindible para la consiguiente formación de su sistema de valores y la ética de su trabajo.

Debido a la situación económica familiar, Eastwood no pudo emprender estudios superiores, los que acabaría sustituyendo por diversos trabajos y su verdadera pasión: la música. Cumplió el servicio militar como instructor de natación, y ello le permitió ahorrar unos dólares con los que emprendería su exitosa carrera cinematográfica.

Su formación interpretativa corrió a cargo de Los Angeles College, mientras que su capacidad creativa y sus dotes de dirección se fraguaron a medida que adquiría experiencia y madurez profesional, dos importantes aspectos que comenzaron a moldearse a partir de 1955, cuando se produjo su debut cinematográfico.

Gracias a la ayuda que le prestaron dos compañeros del campamento militar, dos conocidos actores (David Janssen y Martín Milner), logró un contrato con Universal. Intervino en once películas como actor, donde destacaron títulos como La venganza del monstruo de la Laguna Negra, Hoy como ayer o Zafarrancho de combate. Trampolines al estrellato, que le allanaron el camino a la televisión donde consiguió uno de los papeles claves de su carrera y a partir del cual su cara se hizo conocida en EE.UU, cowboy Rowdy Yates.

De vuelta en el cine, Eastwood trabajó durante los años 60 en westerns, como El bueno, el malo y el feo, un éxito de taquilla que le convirtió en estrella internacional. Y a principios de los 70 llegó el que sería uno de los personajes más emblemáticos de su carrera como actor: el inspector de policía, Harry el sucio, protagonista de una saga de películas ya clásica, donde estamparía su mítica figura de duro y sin piedad.

Su imagen se hizo cada vez más popular, hasta que consolidó su status como uno de los actores más respetados de Hollywood. Época en la que además acostumbraba a pasear con un orangután como mascota, y en la que no sólo desataría por sus dotes interpretativas, sino que también comenzaría a apuntar maneras en la dirección cinematográfica, con el estreno en 1971 de Escalofrío en la noche, su debut como director.

Limitándome a destacar los títulos más representativos de su carrera, os diré que en lo que a su carrera interpretativa respecta destacan películas, además de las nombradas anteriormente, como La leyenda de la ciudad sin nombre, Fuga de Alcatraz, Ciudad muy caliente o En la línea de fuego. En calidad de actor y director ha trabajado en films tan destacados como El jinete pálido, El sargento de hierro, Los puentes de Madison, Cazador blanco, cazador negro o Million Dollar Baby. Y sólo como director es responsable de películas como Bird, Medianoche en el jardín del bien y del mal o Mystic River, por la que sería nominado a los Oscar.

Hoy vuelve a ser actualidad por sus próximos proyectos. Dos de ellos a punto de ser estrenados en nuestro país: El intercambio, basada en un hecho real y que conmocionó a la ciudad de Los Ángeles y Gran Torino, posiblemente la nueva entrega de Harry el sucio. Dos apuestas muy esperadas por la crítica y sus fans más incondicionales, que sentados en la butaca sabrán disfrutar de su cine personal y humano, y de sus arriesgadas apuestas, hazañas cinematográficas que muy pocos se atreverían a emprender.